Inner Circle lance "Stay Strong" : Un hymne à la résilience pour la Jamaïque Le groupe légendaire de reggae, Inner Circle, mondialement connu sous le nom de "Bad Boys of Reggae", a annoncé la sortie de son nouveau single puissant, "Stay Strong". Cette chanson inspirante est un hommage à la résilience, à l'unité et à l'esprit indomptable du peuple jamaïcain, suite aux dévastations causées par l'ouragan Melissa. Le single, produit par DubShot Records et Sound Bwoy Ent, est sorti le 12 décembre 2025. "Stay Strong" est bien plus qu'une simple chanson ; c'est un hymne qui élève l'âme, créé en soutien direct à la reconstruction de la Jamaïque après le passage de l'ouragan Melissa. Avec des paroles sincères et une production cinématographique et entraînante, le morceau transforme la douleur en un objectif, servant de cri de ralliement pour l'unité, l'espoir et la reconstruction. Chaque écoute et chaque partage contribuent directement aux efforts de secours, aidant à restaurer les communautés et à rappeler au monde que l'esprit de la Jamaïque ne peut jamais être brisé. Un engagement humanitaire fort Dans le cadre de leur engagement continu envers les causes humanitaires, Inner Circle a interprété "Stay Strong" pour la première fois en direct le 12 décembre 2025, à la UBS Arena de New York. Cet événement très attendu, le concert-bénéfice "I Love Jamaica: Jamaica Strong", a été organisé par la superstar mondiale multi-platine Shaggy. Cette soirée spéciale a réuni des artistes, des fans et la diaspora jamaïcaine dans une puissante démonstration de solidarité. Tous les bénéfices de l'événement seront reversés aux familles et aux communautés les plus touchées par l'ouragan Melissa, garantissant une aide vitale à ceux qui en ont besoin. Le concert "I Love Jamaica: Jamaica Strong Benefit Concert" est présenté par Jamaica Strong NY Inc., en collaboration avec Jammins Entertainment, The Irie Jam Foundation, RoadBlock Radio et d'autres partenaires estimés. Un héritage d'impact La sortie de "Stay Strong" marque une nouvelle étape dans la carrière illustre d'Inner Circle, qui s'étend sur cinq décennies. Reconnu pour son héritage durable en tant qu'ambassadeur culturel, le groupe continue de défendre les efforts humanitaires mondiaux à travers sa musique et son activisme. Soutien continu et événements à venir En plus du concert de New York, un autre événement majeur, "Stay Strong Jamaica", est prévu au Hard Rock Live à Seminole Hard Rock Hotel & Casino Hollywood le 2 janvier 2026. Ce concert-bénéfice réunira également des artistes influents pour soutenir les efforts de reconstruction après l'ouragan Melissa. 100% des recettes nettes des ventes de billets et des dons seront reversés aux efforts de récupération via Jamaica’s Promise, le bénéficiaire désigné de la Hard Rock Heals Foundation. L'ouragan Melissa, une puissante tempête de catégorie 5, a frappé la Jamaïque fin octobre, causant des dégâts estimés à 8,8 milliards de dollars américains, selon les évaluations préliminaires. Des dizaines de milliers de foyers ont été endommagés ou détruits, et près de 90 000 ménages ont été déplacés, en particulier dans les paroisses occidentales et centrales. L'agriculture a subi des pertes considérables, et les infrastructures ont été gravement touchées, poussant le pays vers une phase de reconstruction longue et coûteuse . Le Premier ministre Dr. Andrew Holness a souligné que ces concerts reflètent à la fois la résilience nationale et la solidarité internationale alors que la Jamaïque passe de la réponse d'urgence à une récupération durable. "Stay Strong" est disponible sur toutes les principales plateformes de streaming. Rejoignez Inner Circle, Shaggy et toute la communauté reggae pour soutenir la reconstruction de la Jamaïque et célébrer le pouvoir de la musique pour guérir et unir. SUIVEZ INNER CIRCLE Spotify Instagram Facebook

Quand le dub se jette dans l’océan du jazz Le dub italien n’a jamais eu peur de l’expérimentation, mais avec A Drop in the Ocean , Wicked Dub Division franchit un cap décisif. Le groupe de Pordenone s’unit ici au saxophoniste Francesco Bearzatti, figure majeure du jazz italien et international, pour signer un single d’une rare intensité, prélude à l’album Jazz My Dub , attendu pour le 9 janvier chez Roble Records. Ce morceau n’est pas une simple collaboration de plus, ni un énième remix: c’est la re-naissance d’une composition déjà présente sur Deepest  (2019), complètement réinventée lors d’une session live en 2025. Au cœur de cette métamorphose, un dialogue organique entre les textures profondes du dub et la liberté incandescente du jazz. Le résultat: un langage sonore fluide, mouvant, qui refuse les étiquettes et s’écoute comme un voyage intérieur. Une goutte qui devient océan Avec A Drop in the Ocean , Wicked Dub Division et Francesco Bearzatti proposent bien plus qu’un exercice de style. Le morceau s’impose comme un rituel d’écoute, une invitation à ralentir, respirer et se reconnecter à soi-même. La pulsation dub, à la fois minimale et enveloppante, installe un état de calme profond, tandis que le sax de Bearzatti, tour à tour méditatif et incandescent, trace des lignes mélodiques qui semblent chercher sans cesse une nouvelle issue, un nouveau chemin. Chaque note, chaque écho, chaque silence participe à une dramaturgie subtile: celle d’un voyage intérieur où l’on passe du recueillement à l’élévation, des ténèbres à la lumière. La métaphore de la goutte qui rejoint l’océan est ici centrale: des millions de gouttes, des millions de consciences, qui en dansant à l’unisson deviennent lumière, même dans les abysses les plus sombres. La musique n’est plus simple divertissement: elle devient espace de résistance intime, de présence à soi et au monde. Wicked Dub Division : vingt ans de recherche sonore Fondé en 2005 par le batteur GP Ennas et le bassiste King Claudio, Wicked Dub Division s’est d’abord fait remarquer dans le monde des sound systems avec une série de maxis vinyles avant de publier Wadada  en 2011. Le vrai tournant arrive en 2014 avec l’arrivée de la chanteuse Michela Grena et de Massimiliano Peak (dub live set). Le groupe affine alors une identité singulière: un dub à la fois chaud, hypnotique, parfois rude et minimaliste, mais toujours habité. De The Rootical Dub Session  à Dub Drops  (2015) – qui contient notamment les singles Autumn Drops  et How Many Women  – Wicked Dub Division multiplie les scènes en Italie et à l’étranger, partageant l’affiche avec Twinkle Brothers, Dub Inc, 99 Posse ou encore le Rototom Sunsplash en Espagne. En 2015, le groupe reçoit le Prix de la Critique au concours « Voci per la libertà » d’Amnesty International Italie pour New Slavery , confirmant sa capacité à conjuguer profondeur musicale et engagement. Suivent l’album Red  (2016), le 12" Lion  pour Roots Cooperation, puis Mama  avec le North East Ska Jazz Orchestra, dont le clip dépasse les 22 millions de vues. Cette collaboration se poursuit avec You Can Fly  (2019), tandis que Michela Grena se produit au côté de Zion Train sur plusieurs scènes internationales (Mexique, Allemagne, Slovaquie, Italie…). En 2019, Wicked Dub Division publie Deepest , puis enchaîne les festivals majeurs (Sounds of Words, Bababoom, Overjam, Electroruga Buzad, Porto Etno…). Le groupe continue d’étoffer son univers avec le single Revolutionary Souls  (2020) et, en 2022, l’album Live Studio Session #1  enregistré avec le North East Ska Jazz Orchestra. Cette synergie les conduit à fouler notamment la scène géante de Pol’and’Rock en 2023, devant un public de plusieurs centaines de milliers de personnes, leur concert étant plébiscité comme l’un des meilleurs de l’édition. En parallèle d’une tournée qui les mène en Suède, Slovaquie, Espagne, France, Croatie, Slovénie, Serbie, Autriche et Italie, Wicked Dub Division poursuit son travail en studio. En 2024 sort Not In My Name  avec le MC anglais YT, puis Ubuntu  en 2025, année marquant leurs vingt ans de carrière – et le point de départ du nouveau projet avec Francesco Bearzatti, dont A Drop in the Ocean  est la première étincelle. Francesco Bearzatti, la voix du jazz dans l’écho du dub Saxophoniste à la personnalité affirmée, Francesco Bearzatti a su, au fil des années, s’imposer comme l’une des voix les plus singulières du jazz italien et européen. Sa rencontre avec Wicked Dub Division ne tient pas du hasard, mais d’une même sensibilité pour la recherche, l’ouverture, la contamination des genres. Sur A Drop in the Ocean , son jeu ne se contente pas d’orner la trame dub: il la traverse, la bouscule, l’illumine. Par moments introspectif, presque chuchoté, puis soudain plus tranchant, le sax de Bearzatti agit comme un guide à travers ce paysage sonore où l’improvisation tient un rôle central. On sent la liberté du jazz se mêler aux profondeurs hypnotiques du dub pour créer un terrain d’expression inédit, où chaque prise de risque est accueillie par la structure rythmique comme un écho bienvenu. Jazz My Dub : un projet manifeste A Drop in the Ocean  n’est qu’un avant-goût de ce que promet Jazz My Dub , l’album à paraître le 9 janvier. Tout indique qu’il s’agira moins d’un simple « crossover » que d’un manifeste pour une musique décloisonnée, où l’énergie physique du dub et la liberté formelle du jazz sont pensées comme deux faces d’une même quête: créer un espace sonore où l’écoute devient expérience, où le dancefloor peut se faire lieu de méditation, et où l’improvisation dialogue avec la bassline la plus lourde. Cette exploration prendra pleinement corps sur scène lors de la release party prévue le 10 janvier au Capitol de Pordenone (Italie). Un événement qui s’annonce comme la forme la plus aboutie de cette rencontre : improvisation en temps réel, vibrations dub, liberté jazz, le tout dans un contexte live où Wicked Dub Division a toujours donné la mesure de sa puissance. Roble Records, un label laboratoire Derrière ce projet se trouve Roble Records, label né de l’alliance entre Roble Factory et veSSeL Recording. Plus qu’une simple structure de distribution, Roble Records fonctionne comme une plateforme créative, fruit d’une communauté d’artistes et de techniciens (réalisateurs, musiciens, directeurs photo, web designers…) unis par une même volonté d’expérimentation. Le label a déjà accompagné des projets marquants et exigeants – de Bisca à Train To Roots en passant par Pier Piras – et continue de bâtir un catalogue fidèle à sa ligne: défendre des œuvres où musique, image et identité artistique forment un tout cohérent. A Drop in the Ocean  s’inscrit parfaitement dans cette démarche: un single pensé comme un premier chapitre d’une histoire plus vaste, sonore autant que visuelle. Une écoute nécessaire Dans un monde saturé de bruit, A Drop in the Ocean  propose une autre temporalité. Ce n’est pas un morceau qu’on « consomme » en vitesse, mais une expérience que l’on accepte de traverser, porté par une basse profonde, des échos qui prolongent chaque son, et un saxophone qui semble chercher notre propre voix intérieure. À l’heure où la musique se fragmente en playlists anonymes, ce projet rappelle la force de l’album-concept, du live vécu comme un rituel, et de la rencontre entre artistes qui ne craignent pas de se mettre en danger pour trouver un langage commun. Wicked Dub Division et Francesco Bearzatti, avec Roble Records, signent ainsi une œuvre qui parle autant au corps qu’à l’esprit, à la piste de danse qu’à l’auditeur solitaire. A Drop in the Ocean  est disponible sur toutes les plateformes numériques (iTunes, Spotify) . Jazz My Dub  sort le 9 janvier, avec une release party le 10 janvier au Capitol de Pordenone.

Né dans un camp de réfugiés thaïlandais, survivant d’un génocide oublié et aujourd’hui artiste aux plus de 15 millions de vues sur TikTok, Star2 incarne une trajectoire aussi improbable qu’inspirante. Avec son nouvel album Lessons , le rappeur et chanteur asiatique de hip-hop / pop transforme les traumatismes de son passé en un manifeste de résilience, de croissance personnelle et d’amour-propre. À la croisée des cultures, des langues et des genres musicaux, Star2 ne se contente pas de raconter son histoire : il offre à toute une génération un véritable guide de survie émotionnelle. Lessons  : une lettre intime à son « moi » plus jeune Lessons  est conçu comme une lettre ouverte à l’adolescent qu’il a été – ce gamin perdu entre la douleur, la tentation et le chaos des rues. Chaque morceau explore une facette de ce voyage intérieur : les erreurs, les déceptions sentimentales, l’attrait de l’argent facile, les distractions qui éloignent des rêves… puis la lente, mais puissante, reconquête de soi. Star2 y livre une vérité simple et brutale : grandir, c’est apprendre à faire des choix. Il le résume lui-même avec lucidité : « En vieillissant, tu apprends à te concentrer, à prioriser et à sacrifier. Tu apprends à t’aimer d’abord et à arrêter de courir après l’amour et les gens qui ne sont pas pour toi. Je dirais à mon moi plus jeune : N’abandonne jamais tes rêves. Arrête de courir après l’amour, les gens, l’argent rapide. Pourchasse tes rêves et ta meilleure vie.  » Lessons  devient ainsi plus qu’un simple projet musical : c’est un manuel de survie émotionnelle, une invitation à délaisser les plaisirs instantanés au profit d’une vision à long terme, d’une vie alignée avec son but profond. Un album au cœur battant international Porté par un ADN profondément asiatique et une sensibilité hip-hop/pop moderne, Lessons  résonne bien au-delà des frontières. Star2 s’entoure d’une constellation de talents : Eh La, Lil BK, heartbreaka, Shadow, RayRay, Lian2x et d’autres encore. Chaque collaboration ajoute une nouvelle couche émotionnelle : des refrains mélodiques et accrocheurs, une rugosité de rue qui rappelle la réalité du terrain, des textures culturelles riches qui ancrent le projet dans la diaspora asiatique et la communauté Ka-ren. Cette alchimie rend l’album à la fois profondément personnel et universel. On y entend la douleur d’un peuple, la rage d’un survivant, mais aussi l’optimisme irréductible d’un jeune artiste qui croit encore en demain. « Ohhhh! » ft. Lil BK : le succès ne vaut rien sans l’amour vrai Parmi les titres phares du projet, “Ohhhh!” en featuring avec Lil BK se détache comme un véritable statement. Sur une production hypnotique et cinématographique, Star2 joue avec les codes du flex – luxe, réussite, esthétique léchée – pour mieux les détourner. Derrière les images clinquantes, un message clair :le succès matériel ne vaut rien si l’on n’a pas à ses côtés les bonnes personnes, celles qui restent quand les lumières s’éteignent. Le morceau rappelle que la vraie richesse se trouve dans l’authenticité des liens humains, pas dans la collection de trophées ou de zéros sur un compte en banque. C’est la maturité d’un artiste qui a compris le prix de la solitude et la valeur d’un entourage sincère. ▶️ Écouter l’album Lessons  : https://open.spotify.com/album/1LluhpCl8TjDL1FWzZz49N?si=VS5aRrHwTfeh0W3DFq-yRQ Des cendres d’un village brûlé à la scène mondiale La force de Lessons  vient aussi de ce qu’il raconte en filigrane : l’histoire réelle d’un enfant arraché à sa terre. Star2 commence sa vie dans un camp de réfugiés en Thaïlande, après que l’armée birmane a attaqué et incendié son village en pleine nuit, dans le cadre du génocide perpétré contre le peuple ka-ren en Birmanie (Myanmar). Arraché à sa maison, à ses repères, à son enfance, il grandit au milieu de la peur, du manque et de l’incertitude. Un tirage au sort dans le camp change son destin :il décroche une place pour les États-Unis et débarque à San Diego avec sa grand-mère et ses quatre enfants. Mais le rêve américain commence dans une dure réalité : extrême pauvreté, choc culturel, deuils multiples, identités fracturées. Dans ce chaos, la musique devient son refuge, son ancre, son langage. À travers elle, il transforme la souffrance en énergie créative, la nostalgie en mélodie, la colère en texte. Un documentaire primé : retour aux racines et mémoire du peuple Ka-ren La trajectoire de Star2 ne s’arrête pas à la musique. Son documentaire Return to Kawthoolei: A Refugee Rapper's Journey to His Homeland in Burma  retrace son retour, pour la première fois, sur la terre qu’il a dû fuir enfant. Ce film, à la fois intime et politique, suit ses pas vers la Birmanie, sur les traces de son village détruit, de son peuple, de son identité. Le résultat est puissant : plus de 33 prix du Meilleur Documentaire / Meilleur Court-Métrage sur le circuit des festivals de films en 2024. Par ce projet, Star2 ne raconte pas seulement sa propre histoire : il redonne une voix à ceux que le monde a oubliés. Il transforme sa notoriété en mégaphone pour le peuple Ka-ren, prisonnier entre exil, silence et lutte pour la survie. Un porte-voix pour la communauté Ka-ren et les artistes asiatiques Star2 ne se contente pas de briller en solo. Il se positionne comme un véritable porte-étendard pour la communauté Ka-ren et pour les artistes asiatiques en général dans les scènes hip-hop et pop, souvent dominées par d’autres visages et récits. Son son est global, son style contemporain, mais ses racines restent visibles. Il utilise sa plateforme pour élever d’autres talents : des collaborations marquantes avec Soulja Boy, Mozzy, Lil Poppa, Luh Kel, HoodTrophy Bino, $tupid Young, Sprite, MBNel, YSN Flow, MarMar Oso, et, dans son nouveau projet, une mise en lumière particulière de ses frères Ka-ren issus des camps de réfugiés : Chinatown Runner, Ler Mu Dex, Eh La, Tae Tae, Gee Kade et M Bless. Cette volonté de partage fait de Star2 bien plus qu’un simple artiste qui perce : il devient un point d’ancrage, un symbole pour une jeunesse déracinée qui cherche sa place entre continents, cultures et identités. De TikTok aux cœurs du monde entier Avec plus de 15 millions de vues sur TikTok, Star2 a su comprendre et conquérir l’espace numérique. Mais derrière les chiffres, il y a surtout une connexion émotionnelle forte avec un public international qui se reconnaît dans son message : ne pas renier ses blessures mais les transformer ; ne plus courir après les autres, mais après sa meilleure version ; accepter que l’amour soit parfois un chemin long, imparfait, et que la patience est peut‑être « la plus grande leçon de toutes ». Lessons  : une bande-son pour ceux qui refusent d’abandonner En fin de compte, Lessons  est l’album de tous ceux qui ont failli lâcher prise, de ceux qui viennent de loin – géographiquement, socialement, émotionnellement – et qui se battent encore pour exister à leur manière. C’est le cri d’un réfugié devenu artiste, d’un survivant devenu modèle, d’un enfant déraciné devenu voix d’un peuple. Star2 nous rappelle qu’on ne choisit pas toujours d’où l’on part, mais qu’on peut choisir où l’on va. Et sur cette route, sa musique agit comme un phare : brut, sincère, et résolument tournée vers l’avenir.

Le 3 décembre 2025 marque une nouvelle étape dans le parcours de la chanteuse reggae Minna LaFortune. L’artiste dévoile « African Women », un single puissant et vibrant, entièrement dédié aux femmes africaines et aux femmes d’ascendance africaine à travers le monde. Porté par un rythme entraînant et des paroles profondément engagées, ce titre se présente comme un hymne à la fierté, à la résilience et au génie des femmes noires. Un cri du cœur pour la reconnaissance et l’empowerment Avec « African Women », Minna LaFortune ne se contente pas de célébrer : elle rend hommage et revendique. La chanson porte un message clair de respect et de solidarité, résumé par ses mots : « I hear you, I see you. One love and nuff respeck ! » Ce refrain symbolique agit comme une adresse directe aux femmes africaines, souvent au premier plan des luttes sociales, familiales, culturelles, mais trop rarement mises en lumière. LaFortune les regarde, les écoute, et utilise sa voix pour amplifier la leur. Mettre en lumière des rôles multiples et essentiels L’un des points forts de la chanson réside dans la manière dont elle décrit la diversité des rôles des femmes africaines. Derrière chaque fonction, il y a une force créatrice et transformatrice : Elles sont danseuses, gardiennes du rythme, de la joie et des traditions. Elles sont enseignantes, transmettant le savoir et ouvrant la voie aux générations futures. Elles sont cheffes d’entreprise et leaders, à la tête de compagnies, d’associations et d’initiatives innovantes. Elles sont artistes, créatrices de mode, penseuses, dont les idées et l’esthétique influencent le monde entier. De Milan à Paris, de New York à Lagos, les paroles soulignent la présence grandissante des femmes africaines dans les universités, les conseils d’administration, les studios de création et les grandes capitales de la mode. Minna LaFortune insiste : ces femmes ne sont pas en marge de l’histoire, elles en sont les actrices principales. Un regard lucide sur les luttes, tourné vers la résilience Le morceau ne fait pas l’impasse sur les épreuves historiques et contemporaines. Les passages de rap viennent ancrer la chanson dans une réalité faite de travail acharné, de souffrances, d’injustices et de discriminations. Pourtant, ces références à la douleur ne sont pas là pour susciter la pitié, mais pour mettre en valeur la force de la survie et de la transformation. Le texte opère un glissement subtil : des années de labeur et de marginalisation vers une ère d’affirmation, d’autonomie et de reconquête de la dignité. En célébrant cette trajectoire, Minna LaFortune envoie un message fort :les femmes africaines ne sont pas uniquement des victimes de l’histoire, elles sont aussi les architectes de leur avenir. Fierté culturelle et affirmation identitaire Au cœur de « African Women » bat une fierté culturelle assumée. La chanson rappelle l’importance des racines, de l’héritage, de la mémoire. LaFortune glorifie la beauté des peaux noires, des chevelures naturelles, des vêtements traditionnels et contemporains, et surtout la richesse des cultures africaines et afro-descendantes. Une phrase clé de la chanson résume cette philosophie :« Genius is in your DNA » – Le génie est dans ton ADN. Ce vers met en lumière une vérité trop souvent niée : le génie africain, particulièrement celui des femmes, a nourri la science, la pensée, la créativité et la spiritualité à travers les siècles. Il s’agit ici de réaffirmer une valeur innée, de contester les récits qui ont tenté de minimiser ou d’effacer ces contributions. Un son qui fait danser… et réfléchir Musicalement, « African Women » est une fusion envoûtante de reggae et de rap. Le reggae apporte une base chaleureuse, rythmée, typique de la musique consciente, invitant à la réflexion tout en berçant l’auditeur. Le rap injecte une énergie directe, actuelle, presque militante, donnant au message une force percutante. Ce mélange crée une dynamique particulière : on danse tout en prenant conscience, on se laisse porter par le groove tout en étant touché par la profondeur du texte. La chanson réussit ainsi un équilibre rare entre plaisir musical et engagement social. Une invitation à célébrer et à raconter les histoires des femmes africaines Au-delà du morceau lui-même, Minna LaFortune conçoit « African Women » comme un mouvement. Elle invite le public à : Partager les histoires de femmes africaines inspirantes – mères, grand-mères, sœurs, collègues, figures publiques ou héroïnes de l’ombre. Donner de la visibilité aux parcours exemplaires, qu’ils soient modestes ou spectaculaires. Relayer la chanson sur les réseaux, dans les communautés, lors d’événements, afin que ce message d’empowerment se diffuse le plus largement possible. En écoutant ce titre, chacun est encouragé à se poser une question simple :Quelle femme africaine m’a inspiré(e) dans ma vie, et comment puis-je honorer son héritage ? Disponibilité et informations pratiques « African Women » de Minna LaFortune sera disponible sur toutes les principales plateformes de streaming à partir du 3 décembre 2025. Les auditeurs du monde entier pourront ainsi se connecter à ce chant de célébration, de résistance et d’amour. Un hymne moderne pour honorer les femmes africaines Avec « African Women », Minna LaFortune signe une œuvre à la fois musicale et symbolique. Ce single s’inscrit dans la lignée des grandes chansons engagées qui rendent justice à celles dont la force soutient les familles, les communautés et les nations. En écoutant ce titre, on ne fait pas qu’apprécier une belle mélodie :on rejoint un hommage collectif, on participe à une célébration mondiale des femmes africaines, de leur courage, de leur intelligence et de leur lumière. Rejoignez Minna LaFortune dans ce mouvement : écoutez « African Women », partagez-le, et laissez-vous inspirer par l’esprit de résilience et d’empowerment qu’il porte.

Samedi 15 novembre, la salle de La Rayonne à Villeurbanne a vibré au rythme du reggae français avec Taïro, venu célébrer ses 25 ans de carrière. Ce concert, le second d’une tournée qui s’annonce déjà quasi complète, a offert au public un moment intense, chargé d’émotion et d’énergie. Une première partie en famille avec B.A.A.L Pour ouvrir la soirée, l’artiste B.A.A.L est monté sur scène. Le talent étant une affaire de famille, il n’est autre que le petit frère de Taïro. Son set a su poser une ambiance chaleureuse et puissante, préparant parfaitement la salle à l’arrivée de TAÏRO et ses musiciens.  Un show qui réveille les souvenirs Une fois Taïro sur scène, la magie a opéré instantanément. Que l’on soit fan de la première heure ou nouvel adepte, chacun a retrouvé ses titres marquants, ces chansons qui ont accompagné tant de moments de vie. Le show, sublime et généreux, a replongé le public dans de nombreux souvenirs tout en le faisant danser sans relâche. Des musiciens exceptionnels Accompagné par des musiciens et des choristes d'exception, Taïro a livré une performance complète, tant dans l’énergie que dans l’émotion. Une harmonie parfaite entre voix, instruments et partage avec la salle. Un spectacle à ne pas manquer Pour tous ceux qui souhaitent vibrer, chanter, danser et revivre les dernières 25 années d’un artiste incontournable de la scène reggae française, ce concert est un rendez-vous à ne pas manquer. Nous vous recommandons chaleureusement ce spectacle, qui conjugue authenticité, talent et une belle dose de good vibes.

Album : ATLAS – Dub IncSortie : 28 novembre 2025 🎧 Écoute / précommande : Atlas – Dub Inc (STREAMING) 🎫 Toutes les dates de tournée : Dub Inc – Atlas Tour Un 9ᵉ album qui redéfinit la longévité : Dub Inc signe « Atlas » Avec Atlas , leur 9ᵉ opus , Dub Inc prouve qu’on peut durer sans se diluer. Vingt ans après leurs débuts, le collectif stéphanois signe un album qui sonne comme une déclaration de foi en la musique live, engagée et humaine , à contre-courant d’un monde saturé d’algorithmes et d’images fabriquées. Toujours fidèles à leur ADN – textes conscients, riddims imparables, flow incisif , énergie scénique et sens du refrain fédérateur – les Dub Inc s’autorisent ici un vrai renouvellement : nouvelles couleurs musicales, nouvelles collaborations, nouveau souffle , sans jamais trahir ce qui fait leur identité. Atlas , ce sont 12 titres inspirés, lumineux et puissants , qui dressent une cartographie d’un monde en crise mais encore plein d’espoir, porté par une certitude : « tout n’est pas perdu » . Un album engagé qui parle à tous les citoyens du monde Dub Inc n’a jamais fui le réel, et Atlas  en est une nouvelle preuve éclatante. L’album pose des mots clairs sur les maux d’une planète  qui déraille : frontières qui se durcissent, divisions sociales et identitaires, crises personnelles et collectives, injonctions numériques et uniformisation culturelle. Mais loin du fatalisme, Bouchkour  et Komlan  rappellent, titre après titre, qu’il est urgent de se rassembler . Les refrains frappent comme des slogans : éloigner ce qui nous divise, protéger ce qui nous unit, se souvenir que nous sommes tous « citoyens et mitoyens » . L’album réussit un équilibre rare : aborder des thèmes lourds de sens  sans jamais plomber l’écoute. Au contraire, Atlas  déborde d’un optimisme fédérateur , d’une énergie constructive qui donne envie de lever le poing… et de chanter avec le groupe. Une palette musicale plus large que jamais Sur le plan sonore, Atlas  marque une étape importante dans la discographie de Dub Inc. Le groupe pousse plus loin que jamais son goût pour le métissage musical , tout en restant solidement ancré dans le reggae. Reggae, cumbia, orient, rock et électro : une carte sonore globale Le reggae  reste le socle, mais se teinte de cumbia  grâce à l’ accordéon  qui apporte une chaleur populaire et immédiate. Les incursions orientales  sont renforcées par la mandole , qui ouvre des paysages mélodiques d’une grande profondeur. Certains morceaux prennent une dimension plus rock , portés par une guitare électrique puissante et stratosphérique , idéale pour la scène. D’autres titres explorent des sonorités plus électro , là où d’autres au contraire restent très acoustiques , presque intimistes. Cette richesse de textures offre un voyage musical complet , fidèle au titre de l’album : Atlas  devient une sorte de globe sonore où chaque track représente un territoire à part entière. Featurings de haut vol : Marcus Gad, Kabaka Pyramid & la famille élargie Dub Inc n’a jamais été un groupe fermé, et Atlas  le confirme avec des collaborations très ciblées , choisies pour leur sens autant que pour leur style. Kabaka Pyramid  pose sur « Break the silence »  : grand représentant du “reggae revival” jamaïcain , lauréat d’un Grammy, il apporte son flow tranchant et sa plume consciente à un titre-manifeste qui appelle à parler, dénoncer, agir. Marcus Gad , voix profonde et spirituelle venue de Nouvelle-Calédonie, s’invite sur « Mémoires » , pour un morceau vibrant autour de la transmission, du souvenir et des racines. À leurs côtés, on retrouve des compagnons de route  qui font partie intégrante de l’univers Dub Inc : Alaoua Idir  à la mandole  (Track 3), Antony Gatta  aux percussions  (Tracks 4-6), Hakim Méridja  lui-même aux percussions (Tracks 1-3-6), Frédéric Peyron  à l’ accordéon  (Tracks 4-6) et aux claviers , Fanny Meridja  en backing vocals  sur « Étoile filante » , Une section cuivres magistrale : Trombones / Trompettes : Til Schneider Saxophones : Marcus Kesselbauer Enregistrés au Tailormade Studio  (Tracks 5-7-10). Le résultat : un album à la fois très Dub Inc  et profondément ouvert sur le monde. Une création ancrée dans le réel, loin de l’uniformisation numérique Après l’annulation de leur précédente tournée pour raisons de santé, 2024  aura été pour Dub Inc une année charnière. Loin de les briser, la pause forcée a servi de moment d’introspection régénératrice . Dans leur nouveau studio stéphanois, le Greenlab , le groupe a décidé de repartir de l’essentiel : jouer, chercher, expérimenter, ensemble . Dans un monde où l’ intelligence artificielle  et le tout-numérique poussent parfois la création vers une certaine uniformisation et un artifice permanent , Dub Inc revendique plus que jamais une ligne claire : faire de la vraie musique, sincère, spontanée, avec de vrais instruments . Même la pochette d’Atlas  respecte cette philosophie : une œuvre originale , bien réelle, signée par deux artistes stéphanois Fabien Cornut (642)  et Judith Chomel . Pas de visuel générique ni d’image générée, mais un travail artisanal qui prolonge l’âme de l’album. Une production solide et précise : le son Atlas Côté son, Atlas  s’appuie sur une équipe expérimentée et fidèle. Le noyau dur du groupe Lead vocals  : Aurélien « Komlan » Zohou Lead vocals  : Hakim « Bouchkour » Méridja Batterie & percussions  : Grégory « Zigo » Mavridorakis Guitares  : Jérémie Grégeois Basse  : Moritz « DaBaron » Von Korff Claviers  : Frédéric Peyron et Idir Derdiche Enregistrement & mix Enregistré  par Benjamin Jouve au Greenlab Studios  / Saint-Étienne (France, 2025) Mixé  par Guido Craveiro  au Pork & Rabbit Studio  (Leira, Portugal, 2025), Sauf les tracks 6 & 11 , mixées par Laurent Dupuy . Mastering  : Guido Craveiro, toujours au Pork & Rabbit Studio. Guido Craveiro, qui signe ici son 4ᵉ album mixé pour Dub Inc , livre aussi un remix dub classe et progressif  pour clôturer la tracklist avec « Atlas dub » , comme une carte nocturne, plus introspective. Tracklist : une traversée complète de l’univers « Atlas » Atlas Décibels Drapeaux Comment faire ? Break the silence  feat. Kabaka Pyramid Ma bataille Mémoires  feat. Marcus Gad Don't let me down Motivé comme personne Il le faut Étoile filante Atlas dub  by Guido Craveiro Entre hymnes militants , chansons plus personnelles , appels à la mémoire  et à la détermination , et final dub immersif, Atlas  se vit comme un parcours entier : de la prise de conscience à l’action, du doute à la lumière. Atlas en live : là où l’album prend toute sa dimension Dub Inc est un groupe construit pour la scène , et Atlas  a clairement été pensé pour résonner fort en live.Les riddims taillés pour le sound system, les refrains qui appellent la foule, les cuivres explosives, les accents rock et électro : tout indique un set puissant et fédérateur . 📅 Retrouvez toutes les dates de la tournée Atlas ici  :👉 Dub Inc – Tour 2025 / 2026 Si vous avez déjà vu Dub Inc sur scène, vous savez : chaque concert est un rendez-vous militant, musical et humain . Avec Atlas , la promesse est claire : un show encore plus dense, plus généreux, plus habité . Pourquoi « Atlas » peut devenir un album viral et incontournable Atlas  coche toutes les cases d’un album fait pour marquer son époque  : Un groupe culte du reggae francophone  qui continue à se réinventer au bout de neuf albums. Un discours lucide et engagé , mais porteur d’espoir et de solutions , dans une période où beaucoup cherchent des repères. Un métissage musical  riche (reggae, cumbia, sonorités orientales, rock, électro, acoustique) qui parle à un public large , bien au-delà du reggae strict. Des featurings internationaux  (Kabaka Pyramid, Marcus Gad) qui renforcent la portée mondiale du projet. Une production de haut niveau , une identité visuelle forte  et une énergie live  déjà reconnue dans toute l’Europe et au-delà. Écouter « Atlas » et soutenir Dub Inc Pour plonger dans l’univers de l’album, le partager et le faire voyager : 🎧 Écoute / achat / streaming de l’album « Atlas » : 👉 Atlas – Dub Inc (toutes plateformes) 🎫 Réserver vos places pour la tournée « Atlas » : 👉 Toutes les dates – Dub Inc Atlas Tour

Un quart de siècle de vibrations et une nouvelle ère pour le festival grenoblois emblématique ! Après 25 années à faire danser, découvrir et vibrer le public grenoblois, le festival Magic Bus  s'apprête à célébrer son anniversaire en grande pompe. Et pour marquer le coup, l'équipe de Retour de Scène a décidé de frapper fort en trouvant enfin un nouveau port d'attache digne de ce nom. Un nouveau chapitre s'ouvre au Palais des Sports Fini le nomadisme ! Après deux éditions transitoires passées à sillonner les différentes salles de Grenoble suite au départ du mythique site de l'Esplanade, Magic Bus retrouve ses racines : un lieu unique à investir, à transformer, à faire sien . Les 29 et 30 mai 2026 , le Palais des Sports deviendra l'épicentre de la scène alternative, reggae, dub, rap et world music de la région. Cette installation marque un tournant symbolique pour le festival. Retrouver un espace à réinvestir, c'est retrouver l'ADN même de Magic Bus : créer une bulle temporaire où la musique, la convivialité et la découverte se mêlent dans une atmosphère unique. Deux scènes, deux ambiances, une même passion L'édition 2026 proposera une configuration pensée pour offrir le meilleur au public : 🎸 Une scène intérieure  spécialement aménagée pour accueillir les têtes d'affiche dans des conditions optimales, où le son et l'ambiance feront corps avec l'architecture du Palais des Sports. 🌱 Une scène extérieure  dédiée aux pépites locales et aux découvertes émergentes, véritable tremplin pour les artistes de la région qui font bouger les lignes. Cette double programmation reflète parfaitement la philosophie du festival : célébrer les grands noms tout en donnant la parole aux talents de demain . L'engagement au cœur du projet Porté à 100 % par l'association Retour de Scène , Magic Bus n'est pas qu'un simple festival. C'est un projet militant, engagé pour : ✊ Une culture vivante et inclusive  qui rassemble au-delà des différences🎤 La scène locale et émergente , véritable vivier de talents à soutenir 🎉 La fête , parce que la musique est avant tout un moment de partage et de joie collective Dans un paysage culturel de plus en plus standardisé, Magic Bus continue de défendre une vision alternative et accessible de la culture, fidèle à ses racines associatives. Rendez-vous le 10 décembre pour les premières révélations L'impatience monte déjà ! La première partie de la programmation 2026  sera dévoilée le mercredi 10 décembre  ⚡. Qui viendra enflammer les platines du Palais des Sports ? Quelles découvertes nous réserve cette édition anniversaire ? Réponse dans quelques jours... Magic Bus 2026 📅 29 & 30 mai 2026 📍 Palais des Sports, Grenoble 🎫 Infos et billetterie à venir 25 ans de passion, de découvertes et de vibrations. Le Magic Bus continue son voyage, et vous invite à monter à bord !  🚌🎶

Le single fusionnant reggae traditionnel, R&B et dancehall sort aujourd'hui via K-Licious Music/DubShot Records, annonçant un album prometteur pour janvier 2026 La scène reggae jamaïcaine vient de franchir un nouveau cap avec la sortie d'"Emotions", une collaboration explosive entre le chanteur-compositeur montant J'Calm , la sensation dancehall Nigy Boy  et le producteur légendaire Tony "CD" Kelly , lauréat d'un Grammy Award. Disponible dès maintenant sur toutes les plateformes digitales, ce single redéfinit les contours de la fusion caribéenne contemporaine. Une réinvention magistrale du mythique Answer Riddim "Emotions" ne se contente pas d'être un simple morceau : c'est un pont générationnel audacieux. Tony Kelly y réinvente le célèbre Answer Riddim , instrumental fondateur introduit par le légendaire producteur Clement "Coxsone" Dodd en 1967 chez Studio One. Pendant près de six décennies, d'innombrables artistes ont posé leurs voix sur cette base musicale devenue aussi emblématique de la culture jamaïcaine que l'ackee au poisson salé. Dans cette version 2025, Kelly transforme ce classique intemporel en une production moderne vibrante, où la ligne de basse réinventée devient le véhicule d'une vérité émotionnelle brute. Le producteur explique : "J'Calm et Nigy Boy représentent un nouveau chapitre passionnant du reggae et du dancehall. Travailler sur 'Emotions' m'a rappelé mes premiers souvenirs en production musicale, sur des riddims comme le Bookshelf et Buy Out." Deux talents émergents au service de l'authenticité J'Calm , de son vrai nom Jovane Nathaniel Gayle, n'a que 20 ans mais possède déjà une maturité artistique impressionnante. Originaire de Clarendon, ce natif jamaïcain fusionne habilement le dancehall et le R&B dans un style pop-R&B hybride, mêlant patois et anglais standard. Son parcours a déjà été marqué par un moment fort : son titre "Tempted" figurait sur la playlist d'été 2023 de Barack Obama. Pour "Emotions", J'Calm livre une performance vocale assurée, aux phrasés R&B mélodiques qui s'entrelacent parfaitement avec l'approche plus soul de Nigy Boy. "Cette chanson parle de ma découverte en tant qu'artiste, de connaître mon identité et ma vulnérabilité, et d'empathiser avec quelqu'un qui a reflété mon expérience d'auto-découverte" , confie le jeune artiste. Nigy Boy  (Nigel Hector Jr.), originaire de Montego Bay, apporte quant à lui une dimension particulièrement émouvante au projet. Malvoyant, il a développé son talent musical à la Salvation Army School for the Blind de Kingston. Ses tubes internationaux "Options" et "Continent" ont déjà propulsé sa carrière, et sa collaboration avec J'Calm semble naturelle : "Travailler aux côtés de J'Calm et Tony Kelly a été un processus fluide. Tony est un magicien dans ce qu'il fait et c'est une légende. Je suis vraiment honoré de faire partie de cette collaboration." Un clip vidéo captivant tourné en Jamaïque Le clip officiel d'"Emotions", réalisé par Filmaica et tourné dans divers lieux emblématiques de la Jamaïque, est également disponible. Les images capturent l'intensité juvénile des deux artistes, leur passion palpable créant une connexion viscérale avec le spectateur. "La vidéo raconte une histoire à laquelle beaucoup de gens pourront s'identifier" , promet Nigy Boy. L'album "Emotions" : des collaborations prestigieuses en perspective Ce single n'est que le premier aperçu de l'album éponyme de J'Calm, dont la sortie est prévue pour le 9 janvier 2026 . Le projet complet promet d'être exceptionnel, avec la participation de figures majeures du reggae comme Ky-Mani Marley , Wayne Wonder  et Khalia . L'album est d'ores et déjà disponible en pré-sauvegarde sur toutes les plateformes. Tony "CD" Kelly : le maître d'œuvre d'une nouvelle ère Producteur parmi les plus influents de Jamaïque, Tony Kelly a façonné le son du dancehall moderne avec des riddims légendaires comme le Bookshelf et le Buy Out. Pour "Emotions", il a collaboré avec Lionel De La O pour insuffler une touche R&B à l'esthétique Channel One classique. "Cette piste est née d'une idée de ressusciter l'ère Channel One du reggae et du dancehall, mais avec une petite touche R&B" , explique-t-il. Le résultat ? Un morceau qui vibre de chaleur, d'honnêteté et d'un rythme si vivant qu'il pulse comme un battement de cœur. "Emotions" n'est pas simplement une chanson : c'est une déclaration d'intention, celle d'une nouvelle génération prête à porter l'héritage du reggae vers des horizons inexplorés, tout en honorant ses racines les plus profondes. "Emotions" est disponible dès maintenant sur toutes les plateformes de streaming . L'album sortira le 9 janvier 2026 via K-Licious Music/DubShot Records.

Le 24 novembre 2025, Jimmy Cliff s’éteint à Kingston, à 81 ans, des suites d’une pneumonie survenue après une crise. L’annonce, faite par son épouse Latifa Chambers, a résonné comme un choc pour des millions de fans à travers le monde. Car au‑delà de la disparition d’une légende, c’est la sensation très concrète de perdre une présence familière qui a traversé les cœurs : celle d’un homme dont la voix, les combats et la lumière accompagnaient depuis des décennies les joies, les luttes et les espoirs de tant de vies. Icône planétaire, pionnier du ska, du rocksteady et du reggae, acteur et ambassadeur culturel avant même que l’expression n’existe, Jimmy Cliff laisse derrière lui un héritage qui dépasse les frontières de la musique. Il aura été à la fois porte-voix d’un peuple, éclaireur d’un genre et conscience poétique du monde. Des collines de Somerton aux trottoirs brûlants de Kingston Né James Chambers en 1944 dans la paroisse de Saint-James, au cœur d’une Jamaïque rurale, Jimmy Cliff n’est pas destiné, sur le papier, aux grandes scènes internationales. Mais très tôt, chez ce jeune garçon de Somerton, quelque chose brûle :une obstination tranquille, une certitude intime que la musique sera plus qu’un métier — ce sera sa voie, sa manière de traverser le monde. À 14 ans, il quitte la campagne pour Kingston. Pour beaucoup, ce serait une folie. Pour lui, c’est une évidence. Dans la capitale, il découvre l’effervescence : sound systems improvisés, studios bricolés, énergie brute d’un peuple en mutation. Là, au milieu des amplis grésillants et des vinyles qui tournent sans relâche, Jimmy Cliff trouve sa place. À 17 ans, il enregistre “Hurricane Hattie” .Le morceau est un succès, mais surtout un signal : ce garçon n’est pas simplement une nouvelle voix. Il est déjà un passeur, un pont entre la Jamaïque intime et le reste du monde. Faire voyager la Jamaïque : de l’île au globe Les années 60 voient naître et exploser le ska, puis le rocksteady, avant les premiers pas du reggae. Là où certains suivent le mouvement, Jimmy Cliff, lui, contribue à le dessiner. Ses chansons deviennent des repères, des balises émotionnelles, des manifestes chantés : “Wonderful World, Beautiful People” , qui pose un regard tendre mais lucide sur un monde contradictoire. “Many Rivers to Cross” , plainte universelle, prière intime, cri contenu qui traverse les générations. “Vietnam” , titre engagé salué par Bob Dylan comme l’une des chansons de protestation les plus puissantes de son époque. “You Can Get It If You Really Want” , qui deviendra un véritable mantra mondial de persévérance. À travers cette série de titres, Jimmy Cliff fait plus que chanter : il raconte la dignité, la lutte, l’espoir têtu. Sa voix, souple et lumineuse, porte les rêves d’un peuple, mais touche aussi celles et ceux qui n’ont jamais mis les pieds en Jamaïque. Il devient l’un des premiers artistes jamaïcains à s’imposer véritablement  à l’international, bien au-delà des cercles de connaisseurs. Partout où il passe, il ouvre des voies. Après lui, d’autres artistes jamaïcains pourront suivre ces chemins qu’il a tracés à la force de ses chansons. 1972 : l’année où Jimmy Cliff change l’histoire de la musique En 1972, le film The Harder They Come  bouleverse la donne. Jimmy Cliff y tient le rôle principal, et prête sa voix à une bande-son qui deviendra l’une des pierres angulaires de l’histoire du reggae. Le film montre : une Jamaïque brute, sans fard, loin des clichés de carte postale la réalité sociale et économique derrière les studios, les radios, les deals de rue un artiste total : chanteur, acteur, narrateur d’un système qui broie les faibles mais nourrit la révolte The Harder They Come agit comme un accélérateur historique. Il révèle au monde la culture jamaïcaine dans toute sa complexité et propulse le reggae hors des frontières de l’île . Sans ce film, sans cette bande-son, Bob Marley — et avec lui tant d’autres — n’aurait sans doute pas été entendu avec la même intensité, ni avec la même rapidité, sur les scènes européennes, américaines, asiatiques. Jimmy Cliff, par ce rôle et cette musique, devient un éclaireur . Un phare qui, depuis la Jamaïque, projette une lumière nouvelle sur la planète entière. Une discographie comme une cartographie émotionnelle La carrière de Jimmy Cliff pourrait remplir des volumes entiers, mais quelques titres restent gravés dans la mémoire collective : “Many Rivers to Cross”  : morceau de toutes les séparations, de toutes les traversées, de tous les recommencements. Un gospel laïc, universel. “You Can Get It If You Really Want”  : la promesse d’une victoire possible, même pour ceux qui partent de loin. Une chanson qui s’écoute comme on se redresse. “I Can See Clearly Now”  : reprise magistrale d’un titre déjà fort, qu’il transforme en rayon de soleil après la tempête. “Reggae Night”  : hymne festif, signature sonore des années 80, qui pose le reggae au cœur des soirées du monde entier. Ces chansons ont accompagné : des mariages et des enterrements des combats politiques et des luttes silencieuses des soirées à danser, des nuits d’insomnie, des matins où l’on cherche un peu de lumière La voix de Jimmy Cliff n’a jamais été seulement celle d’un artiste ; elle a souvent été celle d’un compagnon de route. Légion d’honneurs, mais surtout respect des cœurs Au fil des décennies, Jimmy Cliff reçoit distinctions et décorations, dont l’une des plus prestigieuses de son pays : l’Ordre du Mérite (OM) , rarement attribué à un artiste de son vivant. Mais sa véritable couronne ne brille pas dans les vitrines officielles. Elle est dans les mots des jeunes artistes qui le citent comme référence, dans les souvenirs des anciens qui racontent ses concerts comme des moments où “tout était vrai”, dans les témoignages de ceux qui ont découvert la Jamaïque à travers ses disques. Jimmy Cliff n’appartenait pas qu’à une scène musicale. Il appartenait à une génération, puis à une autre, puis à un monde. Le départ d’un roi humble Son décès, des suites d’une crise et d’une pneumonie, ne laisse pas un simple vide médiatique. Il laisse un vide humain, culturel, presque spirituel. Ce qui frappait chez Jimmy Cliff, au-delà de la technique, c’était sa capacité à faire de la chanson un acte d’engagement. Chez lui, un refrain pouvait tenir lieu de manifeste. Une mélodie devenait un refuge. Un couplet, une bouée lancée à celui qui lutte en silence. Sa carrière n’était pas une succession de succès. C’était une mission : raconter, élever, relier. Un héritage qui ne s’éteindra pas Si l’on est certain d’une chose, c’est que l’héritage de Jimmy Cliff ne disparaîtra pas avec lui. Parce qu’il a : ouvert les portes du reggae au monde entier incarné la Jamaïque avec fierté, élégance et profondeur chanté l’humanité dans ce qu’elle a de plus fragile et de plus invincible inspiré des millions de personnes à ne pas renoncer montré que la musique pouvait être une forme de résistance, de foi, d’amour et de dignité Jimmy Cliff n’est plus là, physiquement. Mais il n’a probablement jamais été autant présent. Il est là : chaque fois qu’un jeune artiste ose raconter sa vérité sans fard chaque fois qu’un riddim jamaïcain traverse un océan pour faire danser une autre rive chaque fois qu’une voix s’élève pour dire, contre tout, « You can get it if you really want » Dans ces moments-là, c’est un peu de lui que l’on entend encore. Jimmy Cliff — La rivière continue de couler. La lumière continue de briller.

Les dés sont jetés. La Recording Academy vient d’annoncer les nominations pour la 68ᵉ cérémonie des Grammy Awards, qui se tiendra le 1er février 2026 à Los Angeles . Dans la catégorie Best Reggae Album , cinq projets seulement ont franchi la dernière ligne droite sur un total de 73 albums soumis . Autant dire que la sélection 2026 est taillée au cordeau. 🏆 Les 5 nominations “Best Reggae Album” (68ᵉ Grammy Awards) ● Lila Iké – Treasure Self Love  (Ineffable Records) La reine de la soulful reggae revient avec un album introspectif, lumineux, en plein cœur de sa montée en puissance internationale. ● Vybz Kartel – Heart & Soul  (Vybz Kartel Muzik / Greedy Lion) Toujours enfermé, toujours chart-topper : Kartel réussit encore à livrer un projet dense, intime et étonnamment organique. ● Keznamdi – Blxxd & Fyah  (Keznamdi Music Group) Un album profond, spirituel et incandescent, dans la continuité d’une identité artistique respectable, sans compromis. ● Mortimer – From Within  (Easy Star Records) Soul, roots progressif, arrangements impeccables : Mortimer signe ici son projet le plus abouti, déjà considéré comme un classique contemporain. ● Jesse Royal – No Place Like Home  (Easy Star Records) Un retour aux fondamentaux, entre conscience, héritage et élégance. Jesse Royal confirme qu’il est devenu un pilier de la décennie. Une shortlist où chaque nomination raconte une facette différente du reggae moderne — spiritualité, engagement, soul caribéenne, dancehall organique, héritage roots… L’ADN du genre est là, intact et vivant. Une éligibilité strictement encadrée Pour rappel, la période d’éligibilité du 68ᵉ Grammy Awards  s’étend du 31 août 2024 au 30 août 2025 . Pour concourir, un album doit : être commercialement disponible  et distribué nationalement , être sorti dans la période , rester accessible jusqu’à la fin du vote final pour l’édition 2025. Ce cadre explique parfois certaines absences remarquées… mais garantit un scrutin cohérent. Reggae & Grammy Awards : un héritage de 40 ans La catégorie Reggae existe depuis 1984. Elle a d’abord récompensé les Best Reggae Recordings , avant de devenir officiellement Best Reggae Album  à partir de 1991. Et l’histoire est riche. Les précédents lauréats (sélection complète depuis 1984) Un mur d’honneur où l’on retrouve les géants : Marley, Toots, Shaggy, Bunny Wailer, Buju, Steel Pulse… 2024  – Bob Marley: One Love – Music Inspired By The Film (Deluxe) 2023  – Julian Marley & Antaeus – Colors of Royal 2022  – Kabaka Pyramid – The Kalling 2021  – SOJA – Beauty in the Silence 2020  – Toots & The Maytals – It Got To Be Tough 2019  – Koffee – Rapture 2018  – Sting & Shaggy – 44/876 2017  – Damian Marley – Stony Hill 2016  – Ziggy Marley – Ziggy Marley 2015  – Morgan Heritage – Strictly Roots 2014  – Ziggy Marley – Fly Rasta 2013  – Ziggy Marley – In Concert 2012  – Jimmy Cliff – Rebirth 2011  – Stephen Marley – Revelation Pt.1 – The Root of Life 2010  – Buju Banton – Before the Dawn 2009  – Stephen Marley – Mind Control Acoustic 2008  – Burning Spear – Jah Is Real 2007  – Stephen Marley – Mind Control 2006  – Ziggy Marley – Love Is My Religion 2005  – Damian Marley – Welcome to Jamrock 2004  – Toots & The Maytals – True Love 2003  – Sean Paul – Dutty Rock 2002  – Lee “Scratch” Perry – Jamaican E.T. 2001  – Damian Marley – Halfway Tree 2000  – Beenie Man – Art and Life 1999  – Burning Spear – Calling Rastafari 1998  – Sly & Robbie – Friends 1997  – Ziggy Marley & The Melody Makers – Fallen Is Babylon 1996  – Bunny Wailer – Hall of Fame (Tribute to Bob Marley) 1995  – Shaggy – Boombastic 1994  – Bunny Wailer – Crucial! Roots Classics 1993  – Inner Circle – Bad Boys 1992  – Shabba Ranks – X-Tra Naked 1991  – Shabba Ranks – As Raw As Ever 1990  – Bunny Wailer – Time Will Tell (Tribute to Bob Marley) 1989  – Ziggy Marley & The Melody Makers – One Bright Day 1988  – Ziggy Marley & The Melody Makers – Conscious Party 1987  – Peter Tosh – No Nuclear War 1986  – Steel Pulse – Babylon the Bandit 1985  – Jimmy Cliff – Cliff Hanger 1984  – Black Uhuru – Anthem Une édition 2026 très ouverte Aucun "ultrafavori" évident cette année. Chaque projet défend une vision précise du reggae actuel : Lila Iké accélère son statut d’icône émergente, Mortimer impose une signature artistique quasi-classique, Keznamdi propose un album viscéral et identitaire, Jesse Royal joue la cohérence et la maturité, Vybz Kartel… reste Vybz Kartel, phénomène inévitable. Ce suspense pourrait bien offrir l’une des éditions les plus passionnantes de la décennie.

Le vétéran Mikey General revient sur le devant de la scène avec “Haile Selassie Liveth” , un single profondément spirituel sorti le 31 octobre 2025  via Meridian Records . Avec cette nouvelle offrande, l’artiste poursuit sa mission : diffuser un reggae empreint de sagesse, de foi et de conscience, fidèle à l’essence du mouvement Rastafari. Un hommage vibrant à Sa Majesté Dans ce morceau, Mikey General rend hommage à Haile Selassie I , ancien empereur d’Éthiopie et figure centrale pour des millions de Rastafari à travers le monde. Le titre se veut respectueux, lumineux, quasi méditatif — une célébration de la parole et de l’héritage spirituel de Celui souvent nommé The Conquering Lion of the Tribe of Judah . Un reggae smooth, profond, intemporel Avec son timbre soyeux, reconnaissable entre mille, Mikey General délivre un reggae doux, clair et introspectif . La production se distingue par un groove apaisé, un mix finement aéré, et une instrumentation qui laisse toute la place à la voix : basse ronde, batterie fluide, touches subtiles de claviers roots… Le résultat ?Un morceau qui élève , qui apaise , et qui rappelle pourquoi Mikey General reste l’un des porte-voix les plus constants de la culture consciente. Une continuité dans une discographie exemplaire Ce single s’inscrit dans la continuité d’une carrière guidée par la spiritualité , la droiture , et la transmission . Depuis plus de trois décennies, Mikey General place le message au centre de sa musique — et “Haile Selassie Liveth” s’impose naturellement comme un chapitre supplémentaire de ce parcours sincère et engagé. Disponible sur toutes les plateformes Le morceau est désormais accessible sur iTunes, Spotify, Deezer, Amazon Music, Tidal  et l’ensemble des plateformes de streaming.

La légende vivante du reggae-dancehall remet les pendules à l’heure. Shaggy , artiste multi-Grammy, diamant en ventes et toujours maître du crossover, dévoile aujourd’hui “Boom Body” , un single explosif en collaboration avec Akon  et Aidonia . Sorti via le partenariat entre VP Records  et Ranch Entertainment , ce nouveau titre est déjà présenté comme l’un des futurs hymnes dancehall globaux  tant il mêle efficacité, chaleur caribéenne et calibrage international. Un casting XXL pour un banger calibré monde Co-produit par Shaggy  lui-même et par Costantine “Costi Fortzaa” Ionita , “Boom Body” réunit trois ADN musicaux taillés pour faire monter la température : Shaggy , toujours maître du groove inimitable, Akon , voix soyeuse et solaire, Aidonia , flow affûté et pure énergie dancehall. Le résultat ? Un titre percutant, ultra-dansant , avec cette touche Shaggy reconnaissable entre mille : tempo séduisant, refrain efficace, ambiance dancehall moderne teintée de pop et d’un léger twist international qui maximise son potentiel viral. Ce morceau rappelle que Shaggy reste un pont vivant entre les générations  et une référence absolue dans l’art de fusionner les genres sans perdre l’authenticité jamaïcaine. 2025 : une année monumentale pour Shaggy “Boom Body” s’inscrit dans un momentum impressionnant pour l’icône jamaïcaine. Cette année, Shaggy aligne les coups d’éclat : Ambassadeur mondial de Peugeot  pour la campagne internationale du SUV 3008, Co-curateur et tête d’affiche du One Fine Day Festival  à Philadelphie aux côtés de Sting , Collaboration avec Fiat  autour des 30 ans de “Boombastic” , avec une version revisitée signée du réalisateur star Joseph Kahn , Troisième single de son partenariat VP Records / Ranch Entertainment, après l’EP In The Mood . Le champion du dancehall n’a donc rien perdu de sa superbe : il accélère. Shaggy au Macy’s Thanksgiving Day Parade : une performance historique Comme si cela ne suffisait pas, Shaggy vient d’être annoncé au programme de la 99ᵉ édition du Macy’s Thanksgiving Day Parade , l’un des événements télévisés les plus suivis aux États-Unis. Le 27 novembre, il interprétera un mashup de ses plus grands classiques  en direct sur NBC  et Peacock . Un nouveau moment emblématique pour celui qui a déjà marqué l’histoire de la musique mondiale. Un clip tourné entre Miami & Kingston : vibes chaudes garanties Le clip de “Boom Body”, tourné entre Miami  et Kingston , réunit un trio de réalisateurs puissants : Sam Brave , Mid Jordan  et Jay Will . Images solaires, esthétique dancehall modernisée et chorégraphies calibrées TikTok… tout est réuni pour faire exploser les compteurs. Un single déjà prêt pour les playlists Disponible sur toutes les plateformes de streaming , “Boom Body” coche toutes les cases pour un tube : beat chaud et minimaliste, hook immédiat, trois poids lourds dessus, potentiel playlist dancehall / pop / tropical monde, stratégie visuelle et timing marketing millimétrés. En clair : attendez-vous à l’entendre partout. Écouter “Boom Body” ➡️ Disponible dès maintenant sur toutes les plateformes . Ajoutez-le à vos playlists Reggae/Dancehall , Tropical , Workout , Afro-Fusion , bref… là où ça doit taper.