L’auteur-compositeur-interprète breton Cozik franchit une étape majeure de son parcours artistique. Après plusieurs EPs remarqués et des millions d’écoutes cumulées, il annonce la sortie de son premier album, prévue le 12 juin 2026  en digital, CD et vinyle sous le label Askiip. En éclaireur de ce projet ambitieux : “Raggamuffin Boy” , disponible depuis le 13 février 2026 sur toutes les plateformes. “Raggamuffin Boy” : un titre-manifeste Avec “ Raggamuffin Boy ”, Cozik ne se contente pas de proposer un single accrocheur. Il signe un hommage assumé au reggae français qui a nourri son imaginaire musical. Le morceau revendique un héritage, tout en affirmant une identité contemporaine. « C’est la story d’un bonhomme, petit Raggamuffin Boy… » Produit par Faya Pyd, fidèle collaborateur de l’artiste, le titre repose sur une instrumentation solide et actuelle. L’écriture, personnelle et directe, évoque le parcours d’un passionné devenu acteur de la scène qu’il admirait. Le clip accompagne le propos avec sobriété et authenticité, mettant l’accent sur la narration et la sincérité. D’Instagram aux scènes nationales Originaire de Bretagne, Cozik construit son univers guitare à la main, dans les bars et les scènes ouvertes. Très tôt, il attire l’attention grâce au concours “1minute2reggae” sur Instagram, où sa prestation séduit un jury composé notamment de Pierpoljak et Taïro. En 2020, il enregistre “Soleil se couche” aux côtés de Faya Pyd et Djinn Tone, titre intégré à l’album Carnet de Voyage  (2023). Cette collaboration marque le début d’un compagnonnage artistique structurant. En 2024, son premier EP “En me levant” , entièrement produit par Faya Pyd, confirme son potentiel. Le projet cumule plusieurs millions de streams et installe Cozik comme l’une des nouvelles voix du reggae francophone. Entre 2024 et 2025 suivent trois EPs : “3 millions d’amis” “Âme Sauvage” “Bubble Groove” Des projets hybrides où reggae moderne, hip-hop et chanson française cohabitent avec cohérence. Un premier album attendu comme un tournant Le futur album – 15 titres produits par Faya Pyd – se présente comme une œuvre plus ample et plus personnelle. L’artiste y explore des territoires sonores variés, sans renier ses racines reggae. Ce disque ambitionne d’être plus qu’un projet de genre : une proposition artistique transversale, capable de fédérer au-delà du public reggae traditionnel. L’écriture se veut plus introspective, les arrangements plus élaborés, et l’approche globale plus affirmée. Une tournée en préparation Cozik défendra ses nouveaux titres sur scène en 2026. Une première date est annoncée : 5 avril 2026 – Paris – La Boule Noire  (+ Andrick Airways) D’autres dates seront prochainement dévoilées dans le cadre d’une tournée nationale. Une affirmation artistique Avec “Raggamuffin Boy” et l’annonce de ce premier album, Cozik confirme sa trajectoire ascendante. À la croisée du reggae moderne, de la poésie urbaine et des influences hip-hop, il incarne une génération d’artistes qui revendiquent liberté stylistique et sincérité. L’album du 12 juin 2026 pourrait bien marquer un cap décisif dans son parcours — et s’imposer comme l’un des projets marquants du reggae francophone de l’année.

Avec « Fragmentable » , Richthi  propose bien davantage qu’un simple single synth-pop. Il construit un diagnostic culturel. À travers une écriture structurée, presque méthodique, il observe une mutation : celle d’un monde qui ne se pense plus comme un tout, mais comme un ensemble de segments à gérer. Le titre n’est pas choisi pour son esthétique sonore, mais pour sa puissance conceptuelle. Fragmentable  désigne ce qui peut être divisé, découpé, reconfiguré. L’artiste applique ce terme à une nation, à une société, à une génération. Une nostalgie structurante Le premier couplet installe une rupture temporelle. L’enfance est associée à la lisibilité, à la stabilité, à une architecture morale compréhensible. Il ne s’agit pas d’un discours idéalisant le passé de manière naïve, mais d’un contraste narratif. Lorsque Richthi écrit : « Quand j’étais gosse, le monde paraissait lisible » il pose un point d’ancrage. Le monde était interprétable. Les règles semblaient cohérentes. La collectivité possédait un cap identifiable. La suite démontre l’effritement de cette cohérence : la vérité devient négociable, les promesses changent de forme, les valeurs sont rendues optionnelles . Ce champ lexical n’est pas anodin. Il reflète une logique transactionnelle qui s’impose à des sphères autrefois symboliques. Le langage comme symptôme L’un des aspects les plus marquants du morceau réside dans l’accumulation de termes en -able  et -ible  : modulables, paramétrables, segmentables, quantifiables. Ce procédé est revendiqué par l’artiste : « Le choix des rimes en -able et en -ible vient directement du langage administratif […] » Il s’agit d’un détournement stylistique. Le lexique de la gestion, de l’ingénierie et de l’optimisation pénètre le domaine de l’intime. L’humain devient configurable. La société devient reconfigurable. Cette répétition produit un effet mécanique. Elle crée une sensation d’automatisation. Le texte lui-même semble soumis à la logique qu’il critique. La gouvernance par morceaux Richthi explique que le mot « Fragmentable » évoque la segmentation des êtres et de la société . Dans cette perspective, le corps social n’est plus envisagé comme une unité organique, mais comme un ensemble de données exploitables. Les individus deviennent des catégories. Les colères deviennent récupérables. Les mémoires deviennent supprimables . La critique ne vise pas un acteur précis. Elle interroge un système diffus, technologique et culturel. C’est une critique structurelle plutôt qu’idéologique. Synth-pop et paradoxe technologique Le choix d’une esthétique synth-pop inspirée des années 80 participe au propos. Ce style repose sur des instruments électroniques programmables. L’artiste souligne lui-même le paradoxe : utiliser des machines pour parler de ce qui ne devrait jamais devenir une machine . La texture sonore, froide et régulière, renforce la thématique. Elle évoque la programmation, la répétition, la standardisation. Pourtant, l’émotion reste présente. Ce contraste crée une tension esthétique cohérente avec le fond du message. Transmission contre consommation Le pont constitue un pivot narratif. Il ne s’agit plus seulement d’observer une dégradation, mais d’introduire une valeur : la transmission. « Mais bâtir quelque chose de transmissible » Selon Richthi, fragmenter revient à couper le fil de ce qui se transmet . Lorsque tout devient remplaçable, la continuité se fragilise. La mémoire devient un poids. La profondeur humaine est simplifiée pour mieux entrer dans un système. La chanson n’est pas un rejet du progrès. L’artiste le précise explicitement . Le risque identifié concerne la réduction de l’humain à une fonction. Une question laissée ouverte Le refrain s’adresse directement à la France : « Dis-moi France, comment tu t’es laissée fragmentable » Cette interpellation n’est pas un slogan. C’est une interrogation. Elle suppose une part de responsabilité collective. Elle invite à réfléchir plutôt qu’à réagir. Écouter et découvrir 🎧 « Fragmentable » : Spotify : https://open.spotify.com/intl-fr/track/3VzXyEoXv8CpfmYeM0Fvil?si=fabed387e51746e8 Deezer : https://link.deezer.com/s/32nez47j8TR13ooahiV1i Apple Music : https://music.apple.com/fr/song/fragmentable/1874010449 🔎 Univers de Richthi  : Best Of Spotify : https://open.spotify.com/playlist/7Cs5zS6aikUPuiNjyRtVg5?si=8f4e3615f8c94e01 Best Of Deezer : https://www.deezer.com/us/playlist/13801489081 Deezer artiste : https://www.deezer.com/us/artist/296579711 Facebook : https://www.facebook.com/94Richthi/ TikTok : https://www.tiktok.com/@_richthi _ Conclusion « Fragmentable » fonctionne comme une métaphore contemporaine : celle d’une société qui optimise au risque de désintégrer. Le morceau ne propose pas une solution politique. Il propose un cadre de réflexion. À travers un vocabulaire technique appliqué à l’humain, Richthi pose une question essentielle : que reste-t-il d’un corps commun lorsque tout devient segmentable ?

Avec deux singles consécutifs dans le Top 15 Billboard, le groupe de Houston Sentury confirme son statut de nouveau poids lourd du R&B moderne. Leur dernier titre "Forever" grimpe à la 11ème place des charts, porté par des harmonies vocales impeccables et une production organique qui séduit toutes les générations. Le retour du "Grown Man R&B" Originaire de Houston, Texas, Sentury n'est pas un simple groupe de passage. Formé par Leo, CJ, AJ et Rico, le quatuor puise ses racines dans le gospel et les chorales d'église avant de se lancer officiellement en 2011. Leur créneau ? Le "Grown Man R&B", un mélange soyeux de voix veloutées, de lignes de basse chaloupées et d'une instrumentation live qui rappelle l'âge d'or du genre tout en restant résolument actuel. Après avoir connu les rouages des majors, le groupe a fait le choix audacieux de l'indépendance. Sous l'impulsion de Leo, ils ont fondé leur propre label, Gateway Records, pour reprendre le contrôle total de leur direction artistique. Un pari gagnant : leur reprise du classique "Only Human" de Jeffrey Osborne a atteint la première place du classement Billboard Adult R&B en 2025, recevant même les éloges des interprètes originaux. "Forever" : l'hymne à l'amour durable Leur nouveau succès, "Forever", s'inscrit dans cette lignée d'authenticité. Loin des tendances éphémères, le morceau célèbre l'engagement et la dévotion. Le titre a déjà intégré les playlists éditoriales majeures sur Amazon Music et Pandora, prouvant que le public reste avide de textes profonds et de mélodies travaillées. Sentury ne se contente pas de faire revivre le R&B ; ils le redéfinissent pour une époque en quête de connexions réelles. Entre élégance vintage et modernité sonore, le groupe s'impose comme le gardien d'une soul qui ne se démode jamais.

La Jamaica Reggae Industry Association (JaRIA) s’apprête à dévoiler cette semaine le calendrier officiel du Mois du Reggae 2026, marquant ainsi 17 années d’engagement et de service envers la communauté créative jamaïcaine. Cette édition s’inscrit sous le thème inspirant « Rhythms of Resilience » , qui illustre la détermination inébranlable des acteurs culturels jamaïcains à continuer de créer, d’élever leurs communautés et d’inspirer la nation, malgré les défis financiers et les efforts de relance. Pour Ewan D.A. Simpson, président de JaRIA, « Le Mois du Reggae a toujours été bien plus qu’une série de concerts. C’est une déclaration forte que notre musique, notre créativité et notre écosystème culturel sont essentiels à la construction de la nation. Même lorsque le soutien des sponsors se fait attendre, nous restons engagés à produire des programmes significatifs et de classe mondiale qui honorent nos icônes et inspirent la prochaine génération. » Événements Clés et Hommages Le Mois du Reggae 2026 sera ponctué de moments forts et d’hommages mémorables, notamment : Hommage à Dennis Brown  — Hard Rock Guitar Hotel, Floride, le 31 janvier, en collaboration avec Vision Band. Remembering the Crown Prince  — EMCVPA, le 1er février, organisé avec le Dennis Brown Trust. Back to Bass-es  — EMCVPA, le 4 février. Rocking the Cliff : Tribute to Jimmy Cliff  — Coral Cliff, Montego Bay, le 11 février. Resilient Praise  — EMCVPA, le 18 février. Bands Rewind  — EMCVPA, le 25 février. JaRIA renouvelle également son partenariat avec le Edna Manley College of the Visual and Performing Arts pour organiser les Reggae Wednesdays , tout en élargissant la série Reggae Open University (ROU)  aux établissements tertiaires de Kingston, Montego Bay, Mandeville, avec une possible extension à Port Antonio. Partenariats et Soutiens Fidèle à sa mission de collaboration, JaRIA continuera de soutenir et d’endosser des événements à travers la Jamaïque et la diaspora, tels que : La célébration Dennis Brown en Floride avec Vision Band. Les activités du Mois du Reggae à Miami avec Inner Circle. La célébration à Toronto en l’honneur de Leroy Sibbles avec Kreative Movement Inc. Le Wickie Wackie Music Festival en Jamaïque. La série I-Frequency, les premiers et troisièmes jeudis de février. « Ces partenariats démontrent la portée et la force du reggae, » ajoute le président Simpson. « De Kingston à la Floride, Toronto et au-delà, le Mois du Reggae est un mouvement vivant qui connecte notre culture aux communautés du monde entier. » À Propos de JaRIA La Jamaica Reggae Industry Association (JaRIA) œuvre pour la promotion, le développement professionnel, l’éducation, la recherche et la célébration de l’écosystème musical jamaïcain. Elle veille à ce que le reggae demeure une force culturelle, sociale et économique dynamique pour la Jamaïque et le monde. Pour plus d’informations et détails sur les événements, rendez-vous sur www.jariaentertainment.com  ou suivez JaRIA sur les réseaux sociaux. Le Mois du Reggae 2026 s’annonce donc comme une célébration vibrante et résiliente, un hommage à l’héritage musical jamaïcain et un appel à la créativité et à l’unité pour les années à venir.

Le rappeur français Redsky, originaire de Cannes, continue d'affirmer sa présence sur la scène hip-hop francophone avec "RRR SPEED UPP", son dernier single sorti le 4 décembre 2025 sous le prestigieux label OVO Sound. Cette sortie marque une étape majeure dans sa carrière, démontrant non seulement son évolution musicale mais également sa capacité à se positionner comme un artiste moderne, ambitieux et international. Une production intense et maîtrisée Dès les premières secondes, "RRR SPEED UPP" plonge l'auditeur dans un univers énergique et percutant. La production, signée par des beatmakers reconnus, combine basses profondes, rythmiques saccadées et atmosphères électrisantes, créant un contraste saisissant avec la fluidité du flow de Redsky. Chaque mesure semble calibrée pour captiver l'auditeur, que ce soit en streaming, en club ou sur scène. L'artiste réussit à transformer le rythme effréné du morceau en véritable force narrative, où chaque phrase contribue à bâtir un univers sonore immersif. Un flow incisif et une écriture soignée Redsky ne se limite pas à une performance vocale: il impose un flow précis, technique et adaptable, capable de suivre les variations du beat tout en conservant sa signature personnelle. Les paroles de "RRR SPEED UPP" reflètent son univers urbain, mêlant thèmes de réussite personnelle, défis du quotidien et ambitions artistiques. L'écriture est à la fois directe et imagée, démontrant sa capacité à captiver un auditoire varié, des amateurs de rap pur aux nouveaux auditeurs attirés par le groove et l'énergie de la track. Une identité sonore forte Ce single illustre la volonté de Redsky de trouver sa propre voix dans le paysage musical. Contrairement à certains artistes qui suivent des tendances préétablies, Redsky construit un style qui fusionne énergie moderne et authenticité méditerranéenne, héritée de ses racines cannoises. Cette identité sonore, combinée à son charisme naturel, le distingue et lui permet de capter l'attention au-delà des frontières françaises, ce qui est renforcé par son association avec OVO Sound, label internationalement reconnu pour propulser ses artistes à l'échelle mondiale. Impact et réception Depuis sa sortie, "RRR SPEED UPP" a reçu des retours très positifs sur les plateformes de streaming et les réseaux sociaux. Les auditeurs saluent la puissance du beat, l'énergie du flow et l'authenticité de l'artiste, qui réussit à offrir un morceau à la fois moderne et accrocheur. Certains critiques voient déjà en Redsky une figure montante du rap français capable de représenter la nouvelle génération sur la scène internationale. Une carrière en pleine expansion Avec ce single, Redsky franchit une nouvelle étape dans son parcours artistique. Il démontre qu'il n'est plus seulement un rappeur local, mais un artiste à la vision globale, capable de produire des morceaux qui rivalisent avec les standards internationaux. La sortie de "RRR SPEED UPP" ouvre également la voie à de futurs projets, possiblement un EP ou un album complet, qui pourraient consolider sa place parmi les talents incontournables du hip-hop français en 2026. En résumé, "RRR SPEED UPP" n'est pas seulement un single: c'est une déclaration artistique. Redsky y expose sa maîtrise technique, sa vision moderne du rap et son ambition de s'imposer sur la scène internationale, tout en restant fidèle à ses racines et à son identité musicale. Une sortie qui confirme que le rap français a trouvé en lui un nouveau visage puissant et prometteur.

Après une pause, le très attendu Life In Dub Podcast  revient en force avec une toute nouvelle saison pleine d’interviews passionnantes et de découvertes musicales. Pour cette 36e édition, c’est un invité de marque qui se joint à Steve Vibronics : Joseph Lalibela , le chanteur britannique que les amateurs de sound system connaissent bien grâce à ses hymnes puissants enregistrés avec des labels prestigieux comme OBF et King Earthquake. Dans cet épisode captivant, Joseph nous emmène dans un voyage à travers ses racines musicales, évoquant ses premières expériences dans les blues dances et ses aventures sonores durant sa jeunesse à Birmingham. Il partage également l’histoire fascinante derrière son nom d’artiste, ainsi que les coulisses de la création de leur collaboration, le morceau "Ancient Breeze" , une véritable pépite dub à ne pas manquer. Où écouter Life In Dub #36 avec Joseph Lalibela ? Pour ne rien rater de cette nouvelle saison et plonger dans l’univers unique de Joseph Lalibela, voici les plateformes où vous pouvez écouter le podcast : Sur le site officiel : vibronics.co.uk/podcasts Apple Podcasts : Life In Dub Podcast Spotify : Life In Dub sur Spotify SoundCloud : Life In Dub sur SoundCloud YouTube : Playlist Life In Dub Podbean : Life In Dub sur Podbean Cette nouvelle saison promet d’être riche en émotions, en histoires et en vibrations dub profondes. Que vous soyez un fan de longue date ou un nouveau venu dans l’univers du dub, ne manquez pas cette occasion de découvrir des artistes passionnés et des récits authentiques qui font la richesse de la scène sound system. Préparez vos écouteurs, la vie en dub reprend son souffle et vous invite à un voyage sonore inoubliable !

La cérémonie emblématique des Hit Lokal Awards revient pour sa 10e édition, un rendez-vous annuel incontournable qui met à l'honneur la richesse, la diversité et l'excellence des musiques ultramarines. Depuis sa création en 2012, cette cérémonie est devenue une plateforme majeure de reconnaissance artistique, valorisant les talents issus des territoires d'outre-mer et leur rayonnement en France et à l'international. Une décennie de célébration des musiques ultramarines Les Hit Lokal Awards ont su s'imposer comme un événement phare dans le paysage musical français, récompensant des artistes emblématiques tels que Kassav', Maureen, Jahyanaï King, Meryl, MikL, Kalash ou encore Were Vana. Cette 10e édition marque une étape importante, soulignant l'impact culturel et artistique des musiques ultramarines, qui mêlent influences traditionnelles et modernité. Ouverture des votes et participation du public Les votes pour l'édition 2026 ont été ouverts dès le 27 décembre 2025 et se poursuivront jusqu'au 16 janvier 2026 à 23h59 (heure de Paris). Le public est invité à participer activement via le site officiel www.hitlokalawards.com  ainsi que par vote SMS, renforçant ainsi l'interaction entre les artistes et leurs fans. Une cérémonie festive et prestigieuse La cérémonie des Hit Lokal Awards 2026 se tiendra le samedi 7 mars 2026 au Cube de Garges-lès-Gonesse, dans le Val-d'Oise (95). Cet événement réunira de nombreux artistes, personnalités du monde culturel et institutionnel, pour une soirée placée sous le signe de la célébration, du partage et de la mise en lumière des talents ultramarins. Les billets pour assister à la cérémonie sont déjà disponibles à la vente via la billetterie officielle : https://my.bizouk.com/hit-lokal-awards-2026 . Les nominés 2026 : un panorama riche et varié L'édition 2026 présente une liste impressionnante de nominés dans plusieurs catégories, reflétant la diversité des styles musicaux ultramarins : Collaboration Shatta  : Meryl feat. N'ken, Bamby X Maureen, Skunk ft. Tiitof & Leto, Dj Ken x Kima x Kalash, Anyme Feat. Shaydee's. Révélation  : Zoe Lucy, Sansand, Venssy, Saalva, Melia. Collaboration Zouk  : Meryl feat. Kalipsxau, Josey Feat Fanny J, Nesly & Mikl, Marvin Feat Léa Churros, Kim et Léa Churros. Hip-Hop / Rap  : Keros-n, Mata, Latop, Kima, Shaka Zulu. Reggae  : Tiwony, Warped & Saël, Saël, Yaniss Odua & Fnx, Sika Rlion. Shatta Féminin  : Meryl & Dj Tutuss, Natoxie x Bamby, N'Ken & Mikado, Maureen, Shannon. Dancehall  : Misie Sadik, Jahyanai, Marginal, Nicy, Young Chang Mc. Zouk  : Meryl, Kalipsxau, WeRe Vana, Kim, Lycinals Jean Feat. Marcoflight. Soca / Bouyon  : 1t1 Ft Théomaa, Krys, Lejuh, Dcamp & Lewismelo & T-Stone, Aknose Ft Kima Ft Magistral. Collaboration Hip Hop  : Kima feat Kalash, Shaka Zulu Feat Larose, Marginal Ft Jkevlar X Dj Glad, Keros-n X Warped, Sodaade Ft. Warped. Shatta Masculin  : Kalash, Dj Kawest Feat Attaching Boy, X-man, Le Jèm'ss ft Mikado, Blaiz Fayah. Album  : Maurane Voyer - Apollo, Kéros-n - Grand cru, Misié Sadik - Koérans, Bamby - Muse. Cette diversité témoigne de la vitalité et de la créativité des scènes musicales ultramarines, qui continuent d'influencer et d'enrichir la musique contemporaine. Un événement soutenu par des partenaires engagés Les Hit Lokal Awards bénéficient du soutien de partenaires importants tels que Debs Music Studio, billetsdiscount.com , TRACE, et We Rise, qui contribuent à la réussite et à la visibilité de cet événement culturel majeur. Pour plus d'informations, pour suivre les actualités ou pour participer aux votes, rendez-vous sur le site officiel : https://hitlokalawards.com/ .

Découvrez Love inna Society , le nouveau single puissant et inspirant de Dub Akum & Sista Caro, un hymne vibrant à l’unité, au respect mutuel et à l’amour inconditionnel. Ce titre s’inscrit dans la tradition du reggae roots et du dub militant, porté par une production heavyweight dub aux basses profondes et la voix engagée de Sista Caro. Sur une base sonore riche et immersive, Love inna Society  délivre un message conscient et universel : un appel à la solidarité et à la construction collective d’une société plus juste et aimante. Loin des mauvaises vibrations et des systèmes oppressifs, Dub Akum & Sista Caro proclament avec force : ✨ « Ensemble plus fort, nous avons besoin d’amour dans notre société ». Et surtout, ils rappellent que « Justice brings peace brings love ». Face à la puissance de l’amour, Babylon s’effondre. À propos du single Titre :  Love inna Society Artistes :  Dub Akum & Sista Caro Composition, production, mix & mastering :  Dub Akum Voix & écriture :  Sista Caro Style :  Heavyweight Dub / Roots & Culture / Conscious L’histoire de Love inna Society Tout a commencé par un dub entendu sur Instagram. Séduite par l’instrumental de Dub Akum et apprenant qu’il cherchait des voix, Sista Caro le contacte. La connexion est immédiate, fluide et naturelle. De cette rencontre musicale naît Love inna Society , un titre qui incarne parfaitement l’esprit du reggae conscient et militant. Les artistes 🎤 Sista Caro Première femme dubpoet en France depuis 1998, Sista Caro est une voix militante reconnue sur les scènes internationales. Son art unique mêle chant, poésie, conte et vibrations roots pour transmettre des messages universels d’unité. Active au sein du Mystiroots Hi-Fi Sound System avec son fils Lord Abel, elle multiplie les collaborations, faisant du dub une aventure spirituelle et collective. Avec plus de 30 ans d’expérience, elle a collaboré avec des artistes internationaux tels que Don Fe (Irlande), Bandulu Dub (Portugal), Dub Movement (Brésil), Herban’Music (UK), MGDK et Kilimanzion (Italie), Lion Man (Jamaïque), ainsi qu’avec des talents français et caribéens comme Loorius, Jekos, Rockers Unification, Satta Warriors, Killah Ranks (Guadeloupe) ou Watta Vibes (Martinique). Ces collaborations confirment sa place incontournable sur la scène reggae dub consciente. 🎛 Dub Akum Né en 2019 dans le Nord de la France, Dub Akum est le fruit d’années d’expérimentations sonores et d’un profond amour pour la culture dub et le mouvement sound system. Sa musique, un dub stepper puissant et militant, est un vecteur de résistance et d’espoir, où chaque basse et chaque skank portent un message fort. En 2023, il sort Keep Time , un EP autoproduit et percutant, fruit de belles collaborations avec Micronomade, Ras Cup et Simão. Plus récemment, il franchit une étape majeure avec la sortie de son premier vinyle, affirmant sa volonté d’ancrer ses productions dans la tradition sound system. Avec son énergie communicative et sa vision claire, Dub Akum fait du dub une expérience collective et intemporelle. Écoutez Love inna Society  ici : https://distrokid.com/hyperfollow/dubakum/love-inna-society Love inna Society  est bien plus qu’un simple morceau, c’est un cri du cœur pour un monde meilleur, un appel vibrant à l’amour et à la justice porté par deux artistes engagés qui font vibrer la scène reggae dub consciente.

“Créeme, Paremos” feat. Gwadastyle Brisco revient en force avec un nouveau single poignant, “Créeme, Paremos”, en collaboration avec le beatmaker Gwadastyle. Un titre intime et vibrant, à la croisée du zouk et du konpa, où l’amour, la rupture et les regrets s’entremêlent dans une atmosphère profondément émotionnelle. 🎧 ÉCOUTER MAINTENANT 👉 Sur toutes les plateformes : Écouter “Créeme, Paremos” UN TITRE ENTRE AMOUR ET DOULEUR Dans “Créeme, Paremos”, Brisco raconte l’histoire d’un homme en plein cœur d’une rupture, décidé à tourner définitivement la page. Déchiré entre l’espoir de recoller les morceaux et la dure réalité, il tente une dernière fois de sauver sa relation… en vain. Ce personnage, conscient de ses erreurs, ne cherche pas d’excuses. Il assume ses torts , met à nu sa sensibilité et fait face aux conséquences de ses actes. Loin des discours faciles, le titre explore la zone grise entre amour, culpabilité et lâcher-prise. C’est un morceau qui parle à tous ceux qui ont déjà aimé trop fort, trop mal, ou trop tard. “Un titre aux couleurs de l’amour, teinté par la douleur des actes passés.” L’ESSENCE DE “CRÉEME, PAREMOS” “Créeme, Paremos” n’est pas qu’un simple morceau de rupture : c’est une confession. Brisco y dépeint un homme qui sait qu’il a fait du mal à la personne qu’il aime, qui voit ses chances de réconciliation s’éteindre, mais qui garde malgré tout une tendresse profonde pour celle qu’il a perdue. La phrase phare du morceau résume parfaitement cette dualité : “Baby j'te fais du mal je sais, tes come back sans arrêt, on essaye en vain” — BRISCO Entre mélancolie et lucidité, le titre explore ces relations où l’on essaie encore et encore, jusqu’à comprendre qu’il est temps de s’arrêter. UNE PROD ZOUK / KONPA SIGNÉE GWADASTYLE Musicalement, “Créeme, Paremos” s’inscrit à la croisée du zouk  et du konpa , avec une prod moderne et chaleureuse signée Gwadastyle . Rythmes chaloupés et sensuels Mélodies entrainantes mais chargées d’émotion Ambiance intime qui laisse toute la place à la voix et au texte Ce contraste entre vibe dansante  et texte douloureux  renforce l’impact du morceau : on bouge, mais on ressent chaque mot. CREDITS 📊 Crédits du single “Créeme, Paremos” Auteur / Compositeur :  Brisco Beatmaker :  Gwadastyle Plateformes :  Spotify, Apple Music, Deezer, YouTube et plus encore 🎧 ÉCOUTER MAINTENANT 👉 Sur toutes les plateformes : “Créeme, Paremos” — Brisco feat. Gwadastyle QUI EST BRISCO ? Né à Courcouronnes  et d’ origine martiniquaise , Brisco grandit dans une famille où la musique est partout. Son père, chanteur toujours actif avec son groupe, l’initie naturellement à cet univers. Très tôt, chanter devient pour lui une évidence plutôt qu’un simple choix. À 17 ans et demi , il enregistre ses premiers titres, dont un morceau particulièrement marquant : un hommage à ses grands-parents, et plus spécifiquement à sa grand-mère atteinte d’Alzheimer. Ce titre, chargé d’émotion et de sincérité, pose les bases de son identité artistique : des textes vrais, intimes, qui racontent la vie sans filtre . Brisco puise son inspiration dans plusieurs genres : Zouk Konpa Dancehall R&B Loin de se limiter à une case, il navigue librement entre ces influences pour créer une musique qui lui ressemble : authentique, hybride, affective . Installé aujourd’hui en région parisienne , il continue de composer, d’écrire et d’enregistrer, guidé par une seule ambition : que sa musique touche, voyage et parle d’elle-même . ORIGINES & IDENTITÉ ARTISTIQUE 🌍 Origine :  Martinique 🏙️ Vit :  Région parisienne 🎧 Genre musical :  Zouk / Konpa, aux influences dancehall et R&B Brisco incarne cette nouvelle génération d’artistes caribéens qui racontent leur histoire à travers des sonorités modernes, tout en restant fidèles aux racines.

Le message est tombé comme un choc pour la communauté reggae mondiale : Rebel Salute, l’un des festivals les plus emblématiques de Jamaïque, ne sera pas organisé sur l’île en 2026. Dans un communiqué officiel, les organisateurs ont confirmé que l’édition jamaïcaine est mise sur pause, à la suite des lourds impacts de l’ouragan Melissa sur la logistique, le territoire et surtout sur le public historique du festival, particulièrement dans les paroisses de l’ouest de la Jamaïque. Au‑delà d’une simple annulation, cette décision marque un tournant dans l’histoire d’un festival considéré, depuis plus de trois décennies, comme un pilier de la culture reggae consciente et de l’identité jamaïcaine. Un ouragan qui bouleverse plus qu’un calendrier Selon le communiqué relayé dans la presse jamaïcaine, l’ouragan Melissa a profondément perturbé la « readiness opérationnelle » ainsi que la planification stratégique et logistique nécessaire pour produire un événement de l’ampleur et de la portée culturelle de Rebel Salute. Les dégâts ne se limitent pas à l’infrastructure événementielle : Les communautés de l’ouest de l’île – cœur du public du festival – ont été touchées. Les partenaires, fournisseurs et acteurs locaux sur lesquels repose l’organisation font face à leurs propres urgences humaines et économiques. Les délais restants avant la période traditionnelle du festival ne permettent plus le niveau de coordination minutieuse qui a fait la réputation de Rebel Salute. Les organisateurs l’assument : continuer comme si de rien n’était aurait été en contradiction totale avec l’éthique du festival. D’où ce choix difficile, mais assumé, de « pauser » plutôt que de livrer une expérience en dessous du standard que le public « attend et mérite ». Rebel Salute : plus qu’un festival, un espace sacré Depuis sa création en 1994 par Tony Rebel, Rebel Salute s’est progressivement imposé comme bien plus qu’un simple événement musical. Ancré dans la tradition du reggae roots et de la musique consciente, le festival s’est inscrit dans une démarche de : Préservation culturelle  : mise en avant de la culture jamaïcaine, du panafricanisme, du rastafarisme, de la spiritualité et de la conscience sociale. Valorisation du “conscious reggae”  : Rebel Salute est reconnu pour son refus historique de la vulgarité et de la promotion de contenus dégradants, privilégiant des artistes et des messages tournés vers l’élévation, la résistance et la réflexion. Espace “family friendly”  : la programmation et l’aménagement du site ont toujours visé à créer un lieu sûr pour les familles, les enfants, les anciens, les visiteurs internationaux. Économie locale  : vendeurs de nourriture ital, artisans, micro-entrepreneurs, prestataires techniques… des centaines de personnes dépendent chaque année de cette rencontre pour compléter ou assurer leur revenu. Les organisateurs le rappellent eux‑mêmes : Rebel Salute est « plus qu’un festival de musique, c’est un espace sacré enraciné dans la culture, la conscience et la communauté jamaïcaines ». Dans ce contexte, la décision de faire une pause n’est pas un simple choix de production : c’est un acte de responsabilité vis‑à‑vis d’un héritage bâti sur plusieurs décennies. Une décision douloureuse, mais guidée par l’intégrité Les mots employés par Rebel Salute sont lourds de sens : La décision est qualifiée de « très difficile ». Les conséquences humaines et économiques sont reconnues : artistes, vendeurs, fournisseurs, sponsors, staff et bien sûr le public. Le festival insiste sur son engagement à l’ excellence , l’ intégrité  et le respect  : plutôt que proposer une version affaiblie de l’événement, les organisateurs choisissent de « protéger la confiance construite au fil des décennies ». Les « Saluters », comme on appelle les habitués du festival, sont décrits comme « le peuple » de Rebel Salute – certains traversant l’île, d’autres venant de la diaspora, pour se ressourcer dans cette atmosphère unique d’énergie positive, de spiritualité et de musique consciente. Les organisateurs présentent des excuses sincères pour la déception et les désagréments, tout en remerciant le public pour sa patience, sa compréhension et son soutien continu. Le message est clair : ce n’est pas une rupture, c’est un temps de protection du futur. Impact sur les artistes, les vendeurs et le tissu social La force de Rebel Salute a toujours résidé dans sa capacité à être un écosystème culturel vivant  : Pour les artistes Une scène respectée pour le reggae roots et la musique consciente , où les lyricistes, chanteurs et groupes peuvent s’adresser à un public attentif, souvent venu spécialement pour les écouter. Un espace où les légendes côtoient les talents émergents, et où la performance live reste centrale. La disparition temporaire de cette plateforme en Jamaïque prive de visibilité certains artistes qui comptaient sur le festival pour lancer ou solidifier leur année. Pour les vendeurs et l’économie locale Les vendeurs de nourriture ital, les artisans, les marchands de produits culturels et naturels voient une importante source de revenu disparaître pour 2026. Les prestataires techniques (son, lumière, sécurité, transport) et petites entreprises locales qui gravitent autour de la production d’événements subissent eux aussi le contrecoup de cette pause. Pour la communauté Rebel Salute a longtemps fonctionné comme un rituel annuel  où l’on se retrouve, où l’on refait le monde, où l’on transmet des valeurs à la nouvelle génération. Dans une Jamaïque encore marquée par les conséquences de l’ouragan Melissa, l’absence du festival en 2026 renforce la nécessité de penser la reconstruction non seulement en termes d’infrastructures, mais aussi de guérison culturelle et psychologique . Hurricane Melissa : quand la catastrophe climatique touche aussi la culture L’annulation de Rebel Salute 2026 en Jamaïque s’inscrit dans un contexte plus large, où les événements climatiques extrêmes viennent redessiner le paysage culturel de l’île. Melissa n’a pas seulement frappé les routes, les maisons et les lignes électriques ; elle a atteint le cœur de ce qui fait la vitalité jamaïcaine : sa capacité à célébrer, rassembler, sublimer les difficultés par la musique. Des initiatives parallèles, comme des concerts de soutien et des campagnes de collecte de fonds – par exemple des efforts de solidarité déjà visibles dans l’écosystème reggae pour la reconstruction après Melissa – montrent une chose : la culture reste l’un des moteurs de la résilience jamaïcaine. Rebel Salute, en choisissant de prioriser la sécurité, la qualité et le long terme, s’aligne sur cette logique de reconstruction profonde. Un nouveau terrain pour la flamme : Rebel Salute USA en Floride Pour autant, Rebel Salute ne disparaît pas : il se déploie . Dans son communiqué, l’équipe confirme la tenue de Rebel Salute USA  en Floride, le 18 avril 2026 . Ce mouvement revêt plusieurs dimensions : 1. Continuité pour la “Rebel Salute family” mondiale En maintenant une édition aux États‑Unis, Rebel Salute : Offre un point de ralliement à la diaspora jamaïcaine et caribéenne. Préserve le rituel annuel de rencontre autour du reggae conscient. Étend encore la portée du festival en ancrant plus solidement sa présence hors de Jamaïque. 2. Un pont culturel Jamaïque–USA Florida, avec sa forte population caribéenne, devient le théâtre naturel pour cette édition USA : C’est une zone où la culture jamaïcaine (musique, gastronomie, langage, spiritualité) est déjà profondément installée. Rebel Salute USA peut servir de vitrine internationale  pour des artistes conscients, tout en gardant l’ADN original du festival : musique consciente, esprit familial, respect des valeurs culturelles. 3. Une stratégie de protection du “legacy” En choisissant ce déplacement temporaire du centre de gravité vers la Floride, les organisateurs trouvent un équilibre : Éviter une année “blanche” complète qui aurait pu fragiliser le lien avec le public international. Alléger la pression sur la Jamaïque le temps de la reconstruction post‑Melissa. Continuer à produire un événement digne du nom Rebel Salute dans des conditions mieux maîtrisées. Sauvegarder l’héritage à long terme La phrase clé du communiqué résonne avec force : « Nous croyons que protéger l’héritage à long terme du festival est la voie la plus responsable à ce stade. » Cet héritage, c’est : La défense d’un reggae profondément spirituel, social, militant. La mise en avant de la culture jamaïcaine dans ce qu’elle a de plus authentique : la langue, la gastronomie, la foi, la résistance, l’humour, la sagesse populaire. Un espace où les familles se sentent en sécurité, où les valeurs de respect, de sobriété et de conscience sont plus importantes que le spectacle pour le spectacle. Dans un monde de plus en plus dominé par des événements ultra‑commerciaux, le choix de dire non  à une édition au rabais pour mieux revenir plus tard renforce l’aura de Rebel Salute. Cela confirme que, pour ce festival, la cohérence  et la fidélité à ses principes  priment sur la pression du calendrier. Ce que cela signifie pour l’avenir La pause de Rebel Salute en Jamaïque pour 2026 invite à une réflexion plus large : Sur la vulnérabilité des grandes manifestations culturelles  face aux crises climatiques et sociales. Sur la nécessité d’intégrer la résilience dans la conception des festivals  : partenariats avec les communautés locales, fonds d’urgence, réflexions sur la durabilité, etc. Sur le rôle de la diaspora  dans la préservation et le financement de ces grands rendez‑vous culturels, quand l’île elle‑même traverse des phases difficiles. Rien, dans les déclarations publiques, ne laisse entendre une fin définitive pour Rebel Salute en Jamaïque. Au contraire, tout indique une stratégie de repli temporaire pour mieux revenir plus fort , plus préparé, dans un environnement stabilisé. Conclusion : un temps pour se relever, un temps pour se rassembler L’annonce de l’absence de Rebel Salute en Jamaïque en 2026 est un choc pour les passionnés de reggae, pour les “Saluters” de longue date, pour les artistes et pour les communautés locales. Mais c’est aussi un message de maturité : on ne protège pas une institution culturelle en forçant sa tenue dans des conditions qui trahiraient son essence. En choisissant de faire une pause sur l’île, tout en maintenant Rebel Salute USA en Floride le 18 avril 2026, les organisateurs rappellent une chose fondamentale : Rebel Salute n’est pas uniquement un lieu ni une date, c’est une philosophie . Une philosophie qui privilégie la conscience à la précipitation, la communauté au profit immédiat, l’héritage à long terme à la satisfaction de court terme. Et c’est précisément cette fidélité à ses valeurs qui donne toutes ses chances à Rebel Salute de revenir, en Jamaïque, encore plus fort, lorsque les vents de Melissa ne seront plus qu’un souvenir et qu’il sera temps, à nouveau, de se rassembler sur la terre mère du reggae.

Le 22 décembre 2025, la Jamaïque a une nouvelle fois salué l’un de ses fils les plus brillants. Ce jour-là, l’honorable Olivia “Babsy” Grange, ministre de la Culture, du Genre, du Divertissement et des Sports, a remis officiellement à Leroy Sibbles le parchemin encadré accompagnant son Jamaica Music Icon Award , reçu lors du Grand Gala 2025. Ce geste symbolique vient sceller, noir sur blanc, ce que le monde entier sait déjà : Leroy Sibbles n’est pas seulement un artiste de reggae, c’est un bâtisseur de la musique jamaïcaine moderne . Dans la Citation présentée à l’occasion, l’État jamaïcain rend hommage à Sibbles pour « le travail accompli dans la promotion de la croissance et de la popularité de la musique jamaïcaine à travers le monde » – un hommage à la fois à sa carrière exceptionnelle et à l’empreinte indélébile qu’il a laissée sur plusieurs générations d’artistes et de mélomanes. Le « King of the Bassline » : un titre mérité La Citation décrit Leroy Sibbles comme « The King of the Bassline » , le Roi de la ligne de basse. Ce n’est pas une formule poétique : c’est la reconnaissance d’un fait historique. À la fin des années 1960, alors que le ska glisse vers le rocksteady puis le reggae, Sibbles se retrouve au cœur du laboratoire sonore jamaïcain : le légendaire Studio One , dirigé par Clement “Coxsone” Dodd. Au départ chanteur et guitariste, il se voit encouragé par le maître claviériste Jackie Mittoo à prendre la basse. De là naît une révolution discrète mais fondamentale. Sibbles ne se contente pas d’accompagner les chansons :il invente des schémas de basse  qui deviennent les squelettes rythmiques de morceaux devenus cultes. Ses lignes de basse structurent des titres comme : « Satta Massagana »  et « Declaration of Rights »  de The Abyssinians « Queen of the Minstrel »  et « Stars » « Love Me Forever »  de Carlton & The Shoes « Ten to One » Et surtout l’instrumental « Full Up » , recyclé plus tard à l’international en « Pass the Dutchie » par Musical Youth. Comme le rappelle la Citation, « Leroy ne se contentait pas de jouer de la musique, il la façonnait, et son influence continue de résonner à travers le globe. » Par le jeu du “versioning” – cette pratique jamaïcaine qui consiste à réutiliser et revisiter les mêmes rythmes sur des décennies – les basslines de Sibbles ont traversé le temps. On les retrouve recyclées, samplées, réinterprétées : son travail est littéralement au cœur de l’ADN du reggae moderne . Des rues de Trench Town aux scènes du monde L’histoire de Leroy Sibbles est celle d’une ascension partie du cœur même de la culture jamaïcaine : Trench Town , quartier mythique de Kingston, berceau de Bob Marley, des Wailers et de tant d’autres. Né le 29 janvier 1949, Sibbles grandit dans un environnement où la musique est partout. Auprès de figures comme Brother Huntley et “Carrot”, il apprend la guitare, affine sa voix et s’imprègne des vibrations rastas qui marqueront son approche musicale. À seulement 16 ans , il devient membre fondateur d’un groupe qui va changer l’histoire : The Heptones . Avec Barry Llewellyn et Earl Morgan, il donne naissance à l’un des trios vocaux les plus influents de l’ère rocksteady. Les Heptones signent une série de classiques qui s’imposent comme des pierres angulaires du répertoire jamaïcain : « Fatty Fatty » « Ting-a-Ling » « Baby », « Pretty Looks Isn’t All », « Party Time », et bien d’autres. Avec leurs harmonies serrées, leurs mélodies soulful et leurs textes tantôt romantiques, tantôt conscients, les Heptones posent les bases sonores et émotionnelles du reggae naissant . Sibbles, avec sa voix chaude et expressive, en est le pilier. Studio One : la forge du reggae Si l’on veut mesurer l’impact réel de Leroy Sibbles, il faut regarder au-delà de ses succès en tant que chanteur. À Studio One, il devient rapidement bien plus qu’un simple bassiste : Il auditionne les chanteurs , arrange les séances , chante les chœurs, et façonne des arrangements qui deviennent des références. Il enregistre pour et avec une véritable constellation d’artistes qui, eux aussi, entreront dans la légende : Alton Ellis Bob Andy Horace Andy Burning Spear Dennis Brown Ken Boothe John Holt Slim Smith The Gladiators, The Abyssinians, The Eternals, et tant d’autres. Chaque ligne de basse signée Sibbles est pensée comme une mélodie à part entière , dialoguant avec la voix et la batterie, créant ce fameux « heartbeat » – le battement de cœur – qui caractérise la musique jamaïcaine. Cette approche lui vaut d’être salué par les historiens de la musique comme « l’un des plus grands talents tous azimuts de l’histoire du reggae » . Une carrière hors des frontières, un ambassadeur du reggae À la fin des années 1970, Leroy Sibbles entame une carrière solo  qui confirme son statut d’artiste complet. Des titres comme « Love Won’t Come Easy »  ou « Rock and Come On »  montrent sa capacité à évoluer avec le son du reggae tout en gardant ses racines bien ancrées. Installé au Canada dans les années 1970, il devient un véritable ambassadeur du reggae  sur la scène internationale. Il se produit dans de nombreux festivals, collabore avec différents producteurs et artistes et contribue à installer le reggae comme une musique mondiale. Ses efforts sont récompensés par des distinctions, notamment un Juno Award  (l’équivalent canadien des Grammy locaux) pour un album reggae dans les années 1980. Mais malgré l’exil volontaire, il ne coupe jamais le cordon avec la Jamaïque :il revient régulièrement se produire sur l’île, notamment lors de Reggae Sunsplash , et reprend même la route avec les Heptones au début des années 1990. Couronné de son vivant : le triomphe d’un pionnier En 2002, le gouvernement jamaïcain lui décerne l’ Order of Distinction , reconnaissant officiellement son apport extraordinaire à la culture musicale du pays. En 2024, un concert-événement baptisé « The Crowning »  au Ranny Williams Entertainment Centre à Kingston vient sceller un titre déjà porté par le peuple : Leroy Sibbles est couronné « King of Reggae Basslines » .Sur scène, artistes et pairs saluent un homme qui a littéralement façonné la bande-son de plusieurs décennies. L’attribution du Jamaica Music Icon Award  et la remise solennelle de la Citation par la ministre Olivia Grange en 2025 s’inscrivent dans cette continuité :c’est la nation entière qui dit merci  à un créateur dont l’œuvre a franchi les frontières, les langues et les générations. Une légende vivante, un héritage éternel L’héritage de Leroy Sibbles se lit à plusieurs niveaux : La voix  : Celle des Heptones, douce, profonde, expressive, qui a donné un son unique au rocksteady. La basse  : Des lignes inventives et mélodiques, souvent copiées, rarement égalées, qui servent encore aujourd’hui de fondation à d’innombrables versions et reinterpretations. L’architecte de studio  : À Studio One, il a été un maillon indispensable de cette « usine à classiques » qui a donné au monde une part essentielle de la mémoire sonore jamaïcaine. L’ambassadeur  : En portant le reggae au Canada, en Europe, en Amérique du Nord, il a contribué à faire de cette musique une langue universelle. Son histoire est celle d’un jeune homme de Trench Town qui, armé d’une guitare, d’une basse et d’une voix, a participé à inventer un genre musical devenu emblème de tout un pays . Aujourd’hui encore, chaque fois qu’une basse reggae résonne dans un sound system, un festival ou un studio, c’est un peu de l’esprit de Leroy Sibbles que l’on entend. Ses lignes de basse continuent de servir de repères, ses chansons de références, et son parcours de modèle pour les nouvelles générations. Conclusion : saluer la grandeur pendant qu’elle est encore parmi nous Rares sont les artistes qui peuvent assister, de leur vivant, à la pleine reconnaissance de l’ampleur de leur contribution. Leroy Sibbles en fait partie.Le voir recevoir des mains de la ministre Olivia Grange la Citation de son Jamaica Music Icon Award  n’est pas seulement un moment protocolaire : c’est un acte de mémoire collective . En honorant Leroy Sibbles, la Jamaïque honore : le quartier de Trench Town  et sa créativité inépuisable, l’ère rocksteady  et les harmonies des Heptones, la magie de Studio One  et ses expérimentations sonores, et surtout, la basse reggae , ce cœur battant qui fait vibrer la planète depuis plus d’un demi-siècle. Leroy Sibbles reste et restera l’un de ces rares artistes dont on peut dire, sans exagération, qu’ils ont contribué à changer le son du monde .

Toujours fidèle à sa ligne de conduite entre lyrics affûtés et message conscient, Agent Sasco  revient en force avec un nouveau single intitulé “Nuh Stress” , sorti le 19 décembre  sous le label Troyton Music . Un titre qui s’inscrit dans la continuité de sa carrière : du dancehall réfléchi, solide, sans jamais lâcher le feu dans le delivery. Un bad mind anthem… mais progressif Classé par plusieurs acteurs de l’industrie comme à la fois un bad mind tune  et un progressive song , “Nuh Stress” voit Agent Sasco affronter la négativité sans détour.Ici, pas de plainte ni de victimisation : le deejay pose un statement clair  – ceux qui souhaitent sa chute, qui nourrissent la jalousie ou les mauvaises intentions, ne gagneront pas. Le morceau repose sur une vibe à la fois déterminée et apaisée : Pas de stress pour les badmind , Focus sur le travail , Élévation personnelle avant tout . Sasco rappelle qu’au lieu de se laisser happer par les conflits et les distractions, il choisit la discipline, la constance et la progression. C’est exactement ce mélange de maturité  et de roughness lyricale  qui fait sa signature depuis plusieurs années. Un message de résilience et de focus Avec “Nuh Stress”, Agent Sasco signe un hymne pour tous ceux qui avancent malgré les obstacles, les critiques et les énergies négatives. Le refrain et le ton général du morceau envoient un message simple :garder son calme, faire confiance au travail, et refuser de donner de l’énergie à ce qui tire vers le bas . On retrouve dans ce single ce qui fait de lui l’un des lyricists les plus respectés de la scène : Des bars tranchants , Une intonation maîtrisée , Et un message positif , ancré dans la réalité du ghetto comme dans celle de toute personne en quête de développement personnel. Disponible partout Le single “Nuh Stress”  d’ Agent Sasco , produit par Troyton Music , est dès maintenant disponible sur toutes les principales plateformes de streaming. Écoute ici : https://zojak.link/agentsasconuhstress